Música y videojuegos, un paseo histórico por los 8 y 16 bits

Hablar de música y videojuegos es hacer referencia a todo un género propio que ha tenido una enorme evolución con el paso de los años, hasta convertirse en algo que ha conseguido romper fronteras y atraer a una enorme cantidad de usuarios.

Sí, la música de los videojuegos tiene un papel que va más allá de la simple ambientación, tiene entidad propia, aunque siendo justos debemos puntualizar que en sus orígenes era algo que de forma independiente, esto es, aislada del juego, sólo llegó a tener un negocio real en Japón.

Hoy, sin embargo, su atractivo ha superado barreras y prejuicios y ha conseguido una gran base de fans que no dudan en escuchar la música de sus juegos favoritos en sus ratos de ocio, o incluso para realizar diversas actividades diarias, ya sea trabajar, estudiar o hacer deporte.

Siempre ha sido importante, pero su popularidad se disparó sobre todo con el uso de canciones reales en sistemas relativamente modernos. En este sentido podemos decir que el punto de inflexión se produjo con la llegada de Dreamcast y PS2, aunque PS1 fue toda una precursora.

Con todo los más viejos del lugar no podemos evitar recordar con cariño aquel sonido «de chip» que nos brindaban los primeros sistemas de ocho bits, con canciones que hoy en día suenan de maravilla en diferentes reinterpretaciones con instrumentos reales.

No hay duda, la historia de la música en los videojuegos es muy rica, y por ello hemos querido llevaros a dar un paso por ella a través de algunas de las canciones más populares que han quedado como auténticas joyas imperecederas.

La música chip y los 8 bits, el inicio de algo grande

En la mayoría de los casos se prescindía de utilizar «bandas sonoras» en sentido estricto y se apostaba únicamente por los efectos de sonido, algo que fue cambiando en gran medida a partir de los años 80.

En este sentido la gran revolución vino gracias a la Famicom de Nintendo, que asomó en Japón en 1983 y era capaz de reproducir hasta 6 canales de sonido, superando en gran medida las limitaciones iniciales que enfrentó la llegada de la música a los videojuegos.

Podemos considerar ese momento como el inicio de la «Edad de Oro» de lo que se conoce como «chiptune», algo que se ha mantenido hasta hoy con una gran base de fans y seguidores aficionados sobre todo a la cultura retro dentro del mundo del videojuego.

Algunos temas de 8 bits:

Llegan los 16 bits y el muestreo digital

Uno de los sistemas más populares de esta generación fue la Mega Drive de SEGA, la primera de 16 bits en conseguir una gran popularidad en todo el mundo y si no me falla la memoria también es la consola más vendida de dicha firma en toda su historia.

Marcó una evolución importante en cuanto a calidad gráfica y amplió las posibilidades en juegos gracias a la mayor potencia que le daba sobre todo su procesador Motorola 68000, aunque apostaba por una aproximación híbrida en lo que respecta a calidad de sonido.

Así, disponía de diez canales en total con uno para muestras PCM en estéreo, superior a los 6 canales en mono de la NES. Dicho canal PCM se usaba a menudo para muestras de percusión, pero el sonido seguía siendo de 8 bits.

Era un avance claro, pero mantenía limitaciones que sólo los más grandes consiguieron superar tirando del sintetizador FM, entre los que merece una especial mención el genial Yuzo Koshiro.

Super Nintendo llegó después e hizo gala de una superioridad técnica clara a la de Mega Drive, salvando la abismal distancia que existía entre ambas a nivel de CPU.

Dicha superioridad se plasmó claramente en el sonido, ya que «el Cerebro de la Bestia» que presentó Nintendo contaba con un chip de sonido DSP desarrollado por Sony junto al SPC700, sumando ocho canales de sonido muestreado de hasta 16 bits en estéreo a 32 kHz.

Algunos de los temas en 16 bits

Fuente: muycomputer.com/

MR. PIG, el Dj mexicano que dejó la cocina para triunfar en Tomorrowland

La vida está hecha de sueños y objetivos. Para unos, la meta es ser jefe de su propia empresa, para otros, ganar un Mundial, un Oscar… y para otros como MR. PIG, Dj mexicano, el sueño es tocar en Tomorrowland, el festival más importante de música electrónica del planeta.

Pero el camino para llegar a este momento no ha sido sencillo. Como sucede con todos alguna vez en la vida, cuando necesitamos probar muchas cosas para finalmente encontrar nuestro destino y seguirlo, Daniel terminó, primero, la carrera de chef en la Escuela del Cordón Bleu.

Como el propio Daniel nos dijo, “pensaba era la carrera de mi vida”, pero tras dos años trabajando decidió emprender su camino como chef en solitario abriendo un restaurante en La Condesa, en la Ciudad de México. Todo parecía salir según lo planeado, pero por ciertas circunstancias y al no sentirse cómodo en la cocina, decidió dejar de lado la carrera de su vida para dedicarse a crear contenido en internet.

.“No fue hasta hace 3 años y medio, cuando tome la decisión de iniciarme en la parte de producción musical, creando mis propias canciones, creando un concepto que uniera a Daniel con Mr. Pig para hacer un producto claro”, declaró Mr. Pig.

Para entender el origen de su nombre artístico hay que retroceder nueve años atrás, cuando Daniel pesaba 25 kilos más que en la actualidad y sus amigos tendían a llamarle Señor Cerdo o Cerdito. Y cuando pensó en un nombre para las tocadas de sus amigos no se le ocurrió otra cosa que no fuera Mr. Pig.

Cuando dio el salto profesional decidió quedarse con ese nombre para, como el dice, “sentirme bien con la identidad de mí mismo”, añadiendo que siempre ha tenido un apego importante a la figura del cerdo, y por ello tiene peluches y muñecos alusivos. Daniel reconoce que este siempre fue su animal preferido.

Afirma que el primer año como Mr. Pig fue el más difícil y oscuro de todos. En esa época la música electrónica era mucho más cerrada y además admitió que la escena no tomo nada bien que él viniera de Youtube.

“El primer año hubo mucha resistencia por parte de la escena de la música electrónica mexicana hacia mí, pero poco a poco fui conociendo a los Dj’s que conforman la escena y con el tiempo nos entendimos, viendo entre todos que apoyándonos podíamos llegar más alto”, apuntó el productor musical.

Tomorrowland, la mejor noticia de su vida

Todos en nuestra vida tenemos un momento que nos abre los ojos y nos pone en el camino hacia algo grande, ese momento a Daniel le llegó hace 2 años cuando la magia y mística de este festival lo hechizo, estando él como espectador y poniéndose como objetivo tocar algún día en Bélgica frente a miles de personas su música.

“También es representar a mi país y poner la bandera de México en lo alto para decirle al mundo que en nuestro país hay una escena que está creciendo y que habemos Dj’s y productores con calidad internacional” dice orgulloso Mr. Pig.

Fue hasta pasado un año de constante intercambio de mensajes cuando le llegó a Mr Pig la invitación para tocar en Tomorrowland 2018. “Ellos me mandaron un mail donde estaba la plática de Dimitri y Like Mike con los productores del evento, diciendo que habían visto el interés en mi, lanzándome la invitación para formar parte del Line up del festival”, Daniel Bautista.

Ese mail le llegó una mañana y el dj reconoce haber tenido que leer dichas ligas hasta cuatro veces para asegurarse que su sueño se hacía realidad antes de gritar y quedarse afónico de la emoción en menos de cinco minutos .

FUENTE: forbes.com.mx

Un 6 de septiembre de 1943 nace Roger Waters

Roger Waters nace el 6 de septiembre de 1943, en Surrey, Reino Unido; es cofundador de Pink Floyd, convirtiéndose tras la marcha de Syd Barrett en el compositor conceptual de la banda. Además de ser el bajista, compartió el lugar de cantante principal y experimentó con sintetizadores, loops, guitarra eléctrica y acústica. Con él, Pink Floyd alcanzó éxito mundial en la década de 1970 gracias a sus álbumes conceptuales The Dark Side of the Moon, Wish You Were Here, Animals y The Wall. Dejó la banda en 1985 debido a diferencias creativas y legales con los otros integrantes. Resuelta la disputa en 1987, pasaron casi 18 años para que volviese a tocar con la banda. Hacia 2010, el grupo habría vendido más de 250 millones de discos; solo en Estados Unidos, 74 millones de álbumes.​

En 1970, compuso en colaboración con Ron Geesin, Music from The Body, banda sonora del film documental “The Body“, de Roy Battersby, sobre la biología humana. Grabó en estudio cuatro discos en solitario: The Pros and Cons of Hitch Hiking (1984), Radio K.A.O.S. (1987), Amused to Death (1992) y Is This the Life We Really Want? (2017). En 1986, contribuyó a la banda sonora de la película “Cuando el viento sopla”. En 1990, organizó uno de los conciertos con más asistencia de la historia, The Wall – Live in Berlin, con 300 000 espectadores.

En 1996, fue admitido en el Salón de la Fama del Rock de Estados Unidos y del Reino Unido como miembro de Pink Floyd. Desde 1999 ha hecho varias giras. Desde 1989 trabajó en la ópera Ça Ira, estrenada en 2005, pero que un año antes tuvo su prémiere en las celebraciones por el ingreso de Malta en la Unión Europea. El 2 de julio de 2005, se reunió con sus excompañeros de Pink Floyd para el concierto benéfico Live 8, la única aparición de Waters con la banda desde su última actuación hacía 24 años.

En 2010 dio comienzo The Wall Live, una gira mundial donde interpreta The Wall al completo. Durante la misma, el 12 de mayo de 2011, en The O2 Arena, Gilmour y Mason volvieron a compartir el escenario con Waters, Gilmour tocando “Comfortably Numb” y Gilmour y Mason junto a Waters en “Outside the Wall”.

Waters se ha casado cuatro veces y es padre de una hija y dos hijos. En 2004 se comprometió con la actriz y directora Laurie Durning. Se casaron en 2012 y en septiembre de 2015 comenzaron los trámites para su divorcio.

Fuente: www.efeeme.com/efemerides-de-la-musica

30 de agosto de 1973 se anuncia la disolución de The Doors.

Tras la muerte de su lider, Jim Morrison, The Doors anuncia oficialmente su disolución como grupo. Los dos años que transcurrieron desde la desaparición de Morrison hasta la disolución de la banda, The Doors editarían dos álbumes: Other voices y Full circle; pero sin su líder, la cosa no volvió a ser lo mismo.

El último gran éxito de la banda fue el álbum L.A. Woman, en 1971. Tras la muerte de Morrison, los miembros restantes continuaron por algún tiempo. Inicialmente se había pensado reemplazar a Jim por un nuevo cantante, se habló de Iggy Pop. Al final, Krieger y Manzarek tomaron el lugar de Morrison cantando, lanzaron dos álbumes y se fueron a gira. Aunque los dos discos vendieron bien, no lograron llegar al público como en la época de Morrison. Tras su disolución, se empezó a gestar la leyenda de The Doors.

En el disco debut de 1967, el homónimo The Doors, escupieron hits como “Break on Through”, “Light my fire” o “The End”. Enseguida se posicionaron como una de las grandes apariciones del rock, y fueron invitados a tocar al reconocido programa de televisión de Ed Sullivan, que por entonces representaba la llave directa al mainstream. Allí, Morrison mostró sus primeros indicios de irreverencia, al negarse a modificar la letra de “Light my fire” por pedido expreso del conductor. La alusión indirecta a las drogas inquietaba a Sullivan, pero a Morrison no le importó demasiado e igual cantó “Girl we couldn’t get much higher” (“Nena no podríamos estar más colocados”). A Manzarek esto no le preocupaba, sino todo lo contrario: era consciente de que la actitud de Morrison sería el mejor imán para atraer a los fans.

The Doors contagiaba por su mirada desprejuiciada sobre un género tradicional como era el blues. Y en esto, Ray Manzarek fue fundamental, ya que sus riffs de teclado y su capacidad para improvisar arreglos y solos marcó un antes y un después para la música. Mientras la popularidad de los Doors aumentaba, en paralelo también crecía el consumo de alcohol por parte de Morrison. Aunque esto no atentaría contra la calidad artística de la banda, que lanzaría un disco tras otro: Strange Days (1967), Waiting for the Sun (1968), The Soft Parade (1969), Morrison Hotel (1970) y L.A. Woman (1971).

El desenlace de la banda es conocido: durante un viaje por París en 1971Morrison fue encontrado muerto por su novia en la bañadera del hotel donde se alojaba. Los motivos nunca se pudieron esclarecer, pero es lógico pensar que las drogas tuvieron algo que ver. Tenía 27 años. Aunque Ray Manzarek intentó seguir adelante con The Doors (grabaron los discos Other Voices y Full Circles), la ausencia de su líder espiritual fue determinante. Los fans no acompañaron la nueva etapa y Manzarek decidió disolver el grupo, aunque más tarde, en 1978, volverían a juntarse para grabar An American Prayer, con música de acompañamiento a poemas de Morrison.

FUENTES:

https://elclubdelrock.com/efemerides-rock

https://tn.com.ar/musica

El primer estudio de música electrónica del mundo

Conocido como el primer estudio de música moderna, en alemán el Studio für Elektronische Musik des Westdeutschen Rundfunks (WDR) en Colonia, la instalación de la Radio de Alemania Occidental se convirtió en la mejor aliada para los músicos y productores de todo el mundo ansiosos de experimentar con nuevos sonidos. Fue allí donde surgieron las notas sintetizadas electrónicamente que se mezclaron para crear un género musical completamente nuevo y admirado en todo el planeta.

El concepto de un estudio para crear música electrónica fue creado por los compositores Werner Meyer-Eppler, Robert Beyer y Herbert Eimert, quienes durante muchos años trabajaron sobre los requisitos técnicos del desafío que tenían en mente.

Robert Beyer realizó diversas publicaciones sobre el problema de la ‘música que viene’, es decir, la música basada en electroacústica, a la vez que trabajó como mezclador de sonido. A partir de 1946 trabajó para la WDR como editor.

Herbert Eimert, que estudió en el Conservatorio de Colonia y en la Universidad de Colonia, escribió libros de música y en los años treinta construyó instrumentos musicales. Trabajó para la WDR entre 1928 y 1933 y en 1945 volvió a trabajar para la transmisión de radio en Colonia. A partir de 1948 se hizo cargo de la programación de música nocturna de la emisora.

Por último, Werner Meyer-Eppler obtuvo una titulación doctoral en Física en 1942 y en 1953 en Fonética y Estudios de Comunicación. Desde 1949 fue profesor en el Instituto de Fonética y Estudios de Comunicación en Bonn y ese mismo año publicó su libro “Elektrische Klangerzeugung” (Generación de sonidos eléctricos), en el que resumió el conocimiento sobre instrumentos de música electrónica y el método de síntesis de voz conocido hasta ese momento. Fue el primero en referirse con esos términos a lo que acabaría siendo un nuevo género musical.

En 1949 comenzó a fraguarse el Estudio para la Música Electrónica cuando Meyer-Eppler ofreció una conferencia en la ciudad de Detmold sobre las posibilidades de desarrollo de los mezcladores de sonido con la presentación de una cinta magnética grabada. Fue en esta conferencia de mezcladores donde Beyer y Meyer-Eppler intercambiaron sus ideas y conocimientos. Ahí nació la idea de realizar conferencias sobre música electrónica.

Robert Beyer recibió la aprobación de la propuesta por parte del gerente de los Cursos de Verano de Darmstadt y el 21, 22 y 23 de agosto de 1950 Beyer y Meyer-Eppler ofrecieron conferencias sobre “el mundo de los sonidos de la música electrónica”.

Fue en ese momento, en Darmstadt, donde Beyer, Meyer-Eppler y Eimer se encontraron: Herbert Eimert estuvo presente en estas conferencias y junto a otros asistentes se interesó tanto por el asunto de la música electrónica que al año siguiente pasó a formar parte de los Cursos de Verano, que llevaron el título de ‘Música y tecnología’.

Cuando el estudio finalmente tomó una forma concreta, Beyer y Eimert pudieron crear, tanto juntos como por separado, algunos estudios de sonido siguiendo criterios puramente auditivos e intuituvos. La primera demostración pública de estas piezas tuvo lugar en una presentación el 26 de mayo de 1953. Este evento se anunció en ese momento como la apertura oficial y la fundación del estudio.

Desde entonces, bajo el liderazgo de Herbert Eimert, el WDR Estudio para la Música Electrónica se convirtió en un lugar de encuentro internacional. Compositores como Ernst Krenek (Austria / EEUU), György Ligeti (Hungría), Franco Evangelisti (Italia), Cornelius Cardew (Inglaterra), Mauricio Kagel (Argentina) y Nam June Paik (Corea) vivían y trabajaban en Colonia. 

Las obras clave de esos años fueron escritas por Gottfried Michael Koenig, quien dominó el estudio como ningún otro y ayudó a muchos compositores a crear sus piezas. El lenguaje y la tecnología de la música electrónica temprana encontraron su culminación en sus obras, como ‘Klangfiguren II’ (1955), ‘Ensayo’ (1957) y ‘Terminus I’ (1962), que son tan radicales como virtuosas.

Fuente: https://elpais.com/cultura/

Imágenes: http://120years.net/wdr-electronic-music-studio-germany-1951/

Del video: The Orchard Music (en nombre de Cherry Red Records) y 1 sociedades de derechos musicales

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