Deadmau5 revela cómo codificó su propio show

En la víspera del primer espectáculo de su gira actual, que comenzó en septiembre. 12, Joel Zimmerman estaba encerrado en una habitación de un hotel de Dallas escribiendo código. Utilizando una versión personalizada de la plataforma de desarrollo visual Derivative TouchDesigner, el productor de música electrónica de gran éxito, deadmau5 está dando los últimos toques a un espectáculo audiovisual de ocho meses y miles de horas de preparación.

Llamado Cube v3, es la producción tecnológica más avanzada de Zimmerman hasta la fecha. Zimmerman habla en lenguaje codificador: herramientas IDE, sistemas de GPU, suites de digitalización de manejo de datos, mientras discute su show, para el cual él y su equipo usaron TouchDesigner (una compañía canadiense elegida parcialmente por su proximidad a la casa del artista a las afueras de Toronto) para escribir las miles de líneas que juntas forman el Cubo. Ahora completo, el Cubo, una enorme estructura giratoria desde la que actúa, muestra imágenes como “El jardín de las delicias terrenales” de Bosch y el logo insignia “mau5head” para los temas como “Raise your weapon” y “Ghosts N Stuff “.

La mayoría de los artistas electrónicos utilizan tecnología playback para sus visuales, mostrando imagenes hechas previamente adecuadas a un set bloqueado. Con el Cube v3, Zimmerman puede activar visuales en tiempo real, permitiendo espontaneidad durante sus sets y asegurando que ninguno de sus shows de febrero 2020 en Norte América, sean iguales.

“El show se ha desarrollado de una forma que literalmente encendemos el servidor con todas las aplicaciones de TouchDesigner, presionamos F1, lo minimizamos y después no lo volvemos a ver nunca,” dice Zimmerman, quien se asoció con Chirs Schroeder Productions y con el diseñador técnico Collins Stenzel (quien ha trabajado en festivales como Life in Color y Spring Awakening). Las aplicaciones leen información enviada a través de cues sónicos (como nombres de temas y notas) y responden proporcionalmente. “Yo no lo llamaría Inteligencia Artificial,” continúa, “pero definitivamente existe algo de inteligencia en el sistema que dice, ‘Joel está haciendo esto, entonces voy a hacer un fade a negros y procede a hacerlo.’ ”

Y mientras él está emocionado por compartir con sus fans el nuevo show, Zimmerman dice que la parte más gratificante del proceso hasta ahora ha sido volar las mentes de los desarrolladores cuya tecnología utilizó para hacer el programa. “Los tipos que inventaron muchas de las herramientas IDE que estoy usando aparecen y dicen:” Mierda, nunca he visto a nadie usar lo que hice para algo como esto”.

Fuente: Billboard. 9/20/2019 by Katie Bain

Música y videojuegos, un paseo histórico por los 8 y 16 bits

Hablar de música y videojuegos es hacer referencia a todo un género propio que ha tenido una enorme evolución con el paso de los años, hasta convertirse en algo que ha conseguido romper fronteras y atraer a una enorme cantidad de usuarios.

Sí, la música de los videojuegos tiene un papel que va más allá de la simple ambientación, tiene entidad propia, aunque siendo justos debemos puntualizar que en sus orígenes era algo que de forma independiente, esto es, aislada del juego, sólo llegó a tener un negocio real en Japón.

Hoy, sin embargo, su atractivo ha superado barreras y prejuicios y ha conseguido una gran base de fans que no dudan en escuchar la música de sus juegos favoritos en sus ratos de ocio, o incluso para realizar diversas actividades diarias, ya sea trabajar, estudiar o hacer deporte.

Siempre ha sido importante, pero su popularidad se disparó sobre todo con el uso de canciones reales en sistemas relativamente modernos. En este sentido podemos decir que el punto de inflexión se produjo con la llegada de Dreamcast y PS2, aunque PS1 fue toda una precursora.

Con todo los más viejos del lugar no podemos evitar recordar con cariño aquel sonido «de chip» que nos brindaban los primeros sistemas de ocho bits, con canciones que hoy en día suenan de maravilla en diferentes reinterpretaciones con instrumentos reales.

No hay duda, la historia de la música en los videojuegos es muy rica, y por ello hemos querido llevaros a dar un paso por ella a través de algunas de las canciones más populares que han quedado como auténticas joyas imperecederas.

La música chip y los 8 bits, el inicio de algo grande

En la mayoría de los casos se prescindía de utilizar «bandas sonoras» en sentido estricto y se apostaba únicamente por los efectos de sonido, algo que fue cambiando en gran medida a partir de los años 80.

En este sentido la gran revolución vino gracias a la Famicom de Nintendo, que asomó en Japón en 1983 y era capaz de reproducir hasta 6 canales de sonido, superando en gran medida las limitaciones iniciales que enfrentó la llegada de la música a los videojuegos.

Podemos considerar ese momento como el inicio de la «Edad de Oro» de lo que se conoce como «chiptune», algo que se ha mantenido hasta hoy con una gran base de fans y seguidores aficionados sobre todo a la cultura retro dentro del mundo del videojuego.

Algunos temas de 8 bits:

Llegan los 16 bits y el muestreo digital

Uno de los sistemas más populares de esta generación fue la Mega Drive de SEGA, la primera de 16 bits en conseguir una gran popularidad en todo el mundo y si no me falla la memoria también es la consola más vendida de dicha firma en toda su historia.

Marcó una evolución importante en cuanto a calidad gráfica y amplió las posibilidades en juegos gracias a la mayor potencia que le daba sobre todo su procesador Motorola 68000, aunque apostaba por una aproximación híbrida en lo que respecta a calidad de sonido.

Así, disponía de diez canales en total con uno para muestras PCM en estéreo, superior a los 6 canales en mono de la NES. Dicho canal PCM se usaba a menudo para muestras de percusión, pero el sonido seguía siendo de 8 bits.

Era un avance claro, pero mantenía limitaciones que sólo los más grandes consiguieron superar tirando del sintetizador FM, entre los que merece una especial mención el genial Yuzo Koshiro.

Super Nintendo llegó después e hizo gala de una superioridad técnica clara a la de Mega Drive, salvando la abismal distancia que existía entre ambas a nivel de CPU.

Dicha superioridad se plasmó claramente en el sonido, ya que «el Cerebro de la Bestia» que presentó Nintendo contaba con un chip de sonido DSP desarrollado por Sony junto al SPC700, sumando ocho canales de sonido muestreado de hasta 16 bits en estéreo a 32 kHz.

Algunos de los temas en 16 bits

Fuente: muycomputer.com/

MR. PIG, el Dj mexicano que dejó la cocina para triunfar en Tomorrowland

La vida está hecha de sueños y objetivos. Para unos, la meta es ser jefe de su propia empresa, para otros, ganar un Mundial, un Oscar… y para otros como MR. PIG, Dj mexicano, el sueño es tocar en Tomorrowland, el festival más importante de música electrónica del planeta.

Pero el camino para llegar a este momento no ha sido sencillo. Como sucede con todos alguna vez en la vida, cuando necesitamos probar muchas cosas para finalmente encontrar nuestro destino y seguirlo, Daniel terminó, primero, la carrera de chef en la Escuela del Cordón Bleu.

Como el propio Daniel nos dijo, “pensaba era la carrera de mi vida”, pero tras dos años trabajando decidió emprender su camino como chef en solitario abriendo un restaurante en La Condesa, en la Ciudad de México. Todo parecía salir según lo planeado, pero por ciertas circunstancias y al no sentirse cómodo en la cocina, decidió dejar de lado la carrera de su vida para dedicarse a crear contenido en internet.

.“No fue hasta hace 3 años y medio, cuando tome la decisión de iniciarme en la parte de producción musical, creando mis propias canciones, creando un concepto que uniera a Daniel con Mr. Pig para hacer un producto claro”, declaró Mr. Pig.

Para entender el origen de su nombre artístico hay que retroceder nueve años atrás, cuando Daniel pesaba 25 kilos más que en la actualidad y sus amigos tendían a llamarle Señor Cerdo o Cerdito. Y cuando pensó en un nombre para las tocadas de sus amigos no se le ocurrió otra cosa que no fuera Mr. Pig.

Cuando dio el salto profesional decidió quedarse con ese nombre para, como el dice, “sentirme bien con la identidad de mí mismo”, añadiendo que siempre ha tenido un apego importante a la figura del cerdo, y por ello tiene peluches y muñecos alusivos. Daniel reconoce que este siempre fue su animal preferido.

Afirma que el primer año como Mr. Pig fue el más difícil y oscuro de todos. En esa época la música electrónica era mucho más cerrada y además admitió que la escena no tomo nada bien que él viniera de Youtube.

“El primer año hubo mucha resistencia por parte de la escena de la música electrónica mexicana hacia mí, pero poco a poco fui conociendo a los Dj’s que conforman la escena y con el tiempo nos entendimos, viendo entre todos que apoyándonos podíamos llegar más alto”, apuntó el productor musical.

Tomorrowland, la mejor noticia de su vida

Todos en nuestra vida tenemos un momento que nos abre los ojos y nos pone en el camino hacia algo grande, ese momento a Daniel le llegó hace 2 años cuando la magia y mística de este festival lo hechizo, estando él como espectador y poniéndose como objetivo tocar algún día en Bélgica frente a miles de personas su música.

“También es representar a mi país y poner la bandera de México en lo alto para decirle al mundo que en nuestro país hay una escena que está creciendo y que habemos Dj’s y productores con calidad internacional” dice orgulloso Mr. Pig.

Fue hasta pasado un año de constante intercambio de mensajes cuando le llegó a Mr Pig la invitación para tocar en Tomorrowland 2018. “Ellos me mandaron un mail donde estaba la plática de Dimitri y Like Mike con los productores del evento, diciendo que habían visto el interés en mi, lanzándome la invitación para formar parte del Line up del festival”, Daniel Bautista.

Ese mail le llegó una mañana y el dj reconoce haber tenido que leer dichas ligas hasta cuatro veces para asegurarse que su sueño se hacía realidad antes de gritar y quedarse afónico de la emoción en menos de cinco minutos .

FUENTE: forbes.com.mx

El primer estudio de música electrónica del mundo

Conocido como el primer estudio de música moderna, en alemán el Studio für Elektronische Musik des Westdeutschen Rundfunks (WDR) en Colonia, la instalación de la Radio de Alemania Occidental se convirtió en la mejor aliada para los músicos y productores de todo el mundo ansiosos de experimentar con nuevos sonidos. Fue allí donde surgieron las notas sintetizadas electrónicamente que se mezclaron para crear un género musical completamente nuevo y admirado en todo el planeta.

El concepto de un estudio para crear música electrónica fue creado por los compositores Werner Meyer-Eppler, Robert Beyer y Herbert Eimert, quienes durante muchos años trabajaron sobre los requisitos técnicos del desafío que tenían en mente.

Robert Beyer realizó diversas publicaciones sobre el problema de la ‘música que viene’, es decir, la música basada en electroacústica, a la vez que trabajó como mezclador de sonido. A partir de 1946 trabajó para la WDR como editor.

Herbert Eimert, que estudió en el Conservatorio de Colonia y en la Universidad de Colonia, escribió libros de música y en los años treinta construyó instrumentos musicales. Trabajó para la WDR entre 1928 y 1933 y en 1945 volvió a trabajar para la transmisión de radio en Colonia. A partir de 1948 se hizo cargo de la programación de música nocturna de la emisora.

Por último, Werner Meyer-Eppler obtuvo una titulación doctoral en Física en 1942 y en 1953 en Fonética y Estudios de Comunicación. Desde 1949 fue profesor en el Instituto de Fonética y Estudios de Comunicación en Bonn y ese mismo año publicó su libro “Elektrische Klangerzeugung” (Generación de sonidos eléctricos), en el que resumió el conocimiento sobre instrumentos de música electrónica y el método de síntesis de voz conocido hasta ese momento. Fue el primero en referirse con esos términos a lo que acabaría siendo un nuevo género musical.

En 1949 comenzó a fraguarse el Estudio para la Música Electrónica cuando Meyer-Eppler ofreció una conferencia en la ciudad de Detmold sobre las posibilidades de desarrollo de los mezcladores de sonido con la presentación de una cinta magnética grabada. Fue en esta conferencia de mezcladores donde Beyer y Meyer-Eppler intercambiaron sus ideas y conocimientos. Ahí nació la idea de realizar conferencias sobre música electrónica.

Robert Beyer recibió la aprobación de la propuesta por parte del gerente de los Cursos de Verano de Darmstadt y el 21, 22 y 23 de agosto de 1950 Beyer y Meyer-Eppler ofrecieron conferencias sobre “el mundo de los sonidos de la música electrónica”.

Fue en ese momento, en Darmstadt, donde Beyer, Meyer-Eppler y Eimer se encontraron: Herbert Eimert estuvo presente en estas conferencias y junto a otros asistentes se interesó tanto por el asunto de la música electrónica que al año siguiente pasó a formar parte de los Cursos de Verano, que llevaron el título de ‘Música y tecnología’.

Cuando el estudio finalmente tomó una forma concreta, Beyer y Eimert pudieron crear, tanto juntos como por separado, algunos estudios de sonido siguiendo criterios puramente auditivos e intuituvos. La primera demostración pública de estas piezas tuvo lugar en una presentación el 26 de mayo de 1953. Este evento se anunció en ese momento como la apertura oficial y la fundación del estudio.

Desde entonces, bajo el liderazgo de Herbert Eimert, el WDR Estudio para la Música Electrónica se convirtió en un lugar de encuentro internacional. Compositores como Ernst Krenek (Austria / EEUU), György Ligeti (Hungría), Franco Evangelisti (Italia), Cornelius Cardew (Inglaterra), Mauricio Kagel (Argentina) y Nam June Paik (Corea) vivían y trabajaban en Colonia. 

Las obras clave de esos años fueron escritas por Gottfried Michael Koenig, quien dominó el estudio como ningún otro y ayudó a muchos compositores a crear sus piezas. El lenguaje y la tecnología de la música electrónica temprana encontraron su culminación en sus obras, como ‘Klangfiguren II’ (1955), ‘Ensayo’ (1957) y ‘Terminus I’ (1962), que son tan radicales como virtuosas.

Fuente: https://elpais.com/cultura/

Imágenes: http://120years.net/wdr-electronic-music-studio-germany-1951/

Del video: The Orchard Music (en nombre de Cherry Red Records) y 1 sociedades de derechos musicales

Lo mejor del festival OSHEAGA 2019.

El fin de semana del 2 al 4 de agosto OSHEAGA recibió en el Parque Jean-Drapeau de Montreal a más de 130,000 asistentes. Sin duda, el mejor fin de semana del año dejó muchos buenos recuerdos. La locación del lugar en medio del bosque y alado del río, dejó a todos asombrados. Claro que la música fue lo mejor del festival, así que te dejamos con los highlights de este año.

Con más de 100 artistas, en 6 escenarios diferentes durante 3 días inolvidables, OSHEAGA tenía algo para todos. El escenario Vitamin Water ofrecía una propuesta electrónica con nombres como: Fisher, Said The Sky, Louis The Child & The Black Madonna.

El escenario verde del National Bank de Canadá, recibió al trío australiano a la hora del atardecer. Pareció que todo el festival se reunió para ver a la banda tocar en vivo hits como Underwater y Treat You Better. Escuchar a la banda siempre es un placer pero en esta ocasión, el baterista James Hunt se llevó la presentación ya que su actuación fue excepcional.

La realidad es que a todos nos gusta comer bien y la variedad de comida en un festival siempre es importante. Este año, OSHEAGA tenía algo para todos los gustos gracias a la variedad de foodtrucks  puestos de comida y servicios de catering de la ciudad. Obvio había una amplia selección de platos y especialidades locales, incluyendo opciones vegetarianas, veganas y sin gluten.

Los festivales siempre deben de tomar en cuenta la seguridad de sus asistentes en todos los sentidos, especialmente en época de verano cuando el calor y la temperatura suben, es por eso que en cada escenario había cañones de agua que rociaban a la multitud cerca del frente del escenario. También había una fuente de agua gigante donde los asistentes al festival podían divertirse y refrescarse cuando el calor se hacía demasiado intenso. Además, había estaciones para rellenar botellas de agua y equipos de bomberos y policías estuvieron presentes.

Sofi & Tucker regresaron a los escenarios después de un rato ya que Sofi se rompió el pie hace poco. Su regreso fue monumental… los fans que ya los conocían corearon todas sus canciones y todos los que apenas los escuchaban por primera vez, no pudieron dejar de bailar durante todo el set. La presencia escénica de ambos es inigualable.

Canadá es conocido por su fauna ya que la cantidad de áreas verdes que existen en el país es impresionante. El festival parecía un campamento ya que todos los escenarios estaban ubicados entre estas áreas. Uno de los escenarios incluso se camuflajeaba con los alrededores ya que la decoración era con muchos árboles.


Video: Montreal.TV

Fuente: http://mdmelectro.com

Así fue el show de David Guetta en Tomorrowland 2019 y su homenaje a Avicii

Don Diablo, Alesso, Armin Van Buuren… también han publicado sus sesiones

Un tremendo aguacero quiso convertirse en protagonista del último fin de semana del Tomorrowland 2019, el mayor festival de música electrónica de Europa. Pero los grandes DJ’s del planeta no sucumbieron a la lluvia y dejaron memorables sesiones como la que ofreció David Guetta y que incluyó un sentido homenaje a Avicii.

El DJ francés no faltó por decimoquinto año consecutivo a su cita con Tomorrowland y ofreció uno de esos shows que se recordarán durante años.

El festival celebraba su 15º aniversario con uno de los mejores carteles de su historia en el que no podía faltar un David Guetta que estuvo pletórico durante una sesión en la que tiró de clásicos (I gotta feeling de Black Eyed Peas, Sweet dreams de Eurythmics, Livin on a prayer de Bon Jovi, Sweet child o mine de Guns n roses…), de repertorio propio (Titanium, When love takes over, Bad, Lovers on the sun, Say my name…) y en el que tuvo un cariñoso recuerdo para Avicii.

El DJ sueco fallecido hace algo más de un año fue protagonista de la sesión de David Guetta con un particular remix de su éxito Heaven junto a Chris Martin.

No fue el único homenaje ni la única sesión de la que el mundo de la electrónica ha hablado. Y es que los DJ’s participantes en Tomorrowland 2019 han ido publicando paulatinamente sus sesiones en sus canales oficiales.

Es el caso de Robin SchulzDon DiabloArmin van BuurenTiestoAlessoSteve AokiThe ChainsmokersAfrojackNicky Romero… Son horas y horas de la mejor música electrónica a tu disposición a un solo click.

Fuente: https://los40.com/

Lanzan “Unfinished” documental de Massive Attack

La BBC se ha caracterizado por presentar documentos donde nos ponen en contacto directo con la historia musical del Reino Unido, principalmente cuando se trata de lo que sucedió con el punk a finales de los 70 y la explosión del brit-pop en los 90.

Al mismo tiempo, hay un periodo en la historia que es de suma importancia para ellos y es lo que se desató en Bristol con la concepción de bandas como Massive Attack y Portishead. Hablando un poco más en particular de Massive Attack, en 2016 la BBC decidió celebrar los 25 años de su esencial Blue Lines con un documental que explora el nacimiento de la banda y el circuito musical de Bristol desde los años 70.

El nombre del documental es Unfinished y a lo largo de su media hora de duración pueden encontrar distintas anécdotas narradas por Paul McGann, así como entrevistas con Roni Size, Mark Stewart de The Pop Group y Neil Davidge.

Hasta hace algunos meses solo podían ver el documental si vivían en UK, pero gracias a un alma caritativa que lo subió a Youtube, es como pueden disfrutarlo completo después del salto.

Reunión Jalisco Ableton Usergroup

La compañía internacional de producción musical Ableton, Knob Studio y Tienda Digital Musical tienen el honor de invitarlos a la primera reunión del Ableton Usergroup de Jalisco. Esta reunión tiene como finalidad crear una comunidad y acercamiento entre las personas que estén interesadas en utilizar Ableton Live como plataforma para la creación, composición, improvisación y producción musical.

El Ableton Usergroup de Jalisco está a cargo de Reid Strange, productor musical y único profesor certificado por Ableton en la ciudad de Guadalajara.

En esta primera reunión tendremos como invitado especial a Javier de la Peza, nos mostrará parte de su trabajo como integrante de la reconocida banda internacional Troker.

La cita es el sábado 27 de julio a las 17:00 hrs en el Segundo Piso ubicado en la calle Pedro Moreno 947-2. ¡Entrada libre los esperamos!

Reid Strange

Reid Strange es ingeniero de audio, productor musical y educador en Guadalajara, Jalisco. Es el propietario de Orpheus Studio donde ofrece servicios de producción e ingeniería de música a artistas, así como soluciones para presentaciones en vivo utilizando Ableton Live, en una variedad de estilos musicales. También es profesor en Knob Studio, escuela de producción musical y DJ en Guadalajara. Reid comenzó a utilizar Ableton Live en 2005 y desde entonces ha compartido con entusiasmo sus conocimientos.

Comenzó a tocar música a una edad temprana, aprendiendo instrumentos como el piano, la trompeta, el violín y la guitarra, antes de decidirse por el bajo como su instrumento preferido. Reid fue un participante activo en la escena del rock de Seattle, WA durante varios años, y durante este tiempo comenzó a desarrollar soluciones creativas de presentaciones en vivo para bandas, utilizando Ableton Live.

Reid es un apasionado de una amplia gama de géneros y  estilos musicales, se especializa además en la música electrónica, rock y pop. Además de ofrecer soluciones de actuación en vivo para bandas que usan Live, Reid ofrece cursos de producción avanzados, individuales y en grupos pequeños a estudiantes que buscan especializarse en Diseño de sonido, Mezcla y Masterización en Knob Studio.

https://soundcloud.com/orpheusstudiomx

Javier de la Peza

Javier de la Peza es un productor musical con más de 7 años de experiencia dando cursos y talleres de todos los aspectos de la producción musical. También es el DJ de Troker y ha tocado usando Ableton en el escenario en eventos internacionales como el Vancouver Jazz Festival 2019 y Saskatoon Jazz Festival 2019. Actualmente es Profesor del área de Producción Musical en la Universidad Libre de Música en la ciudad de Guadalajara.

https://www.youtube.com/user/habierinemaniak

*Tienda Digital Musical patrocinador de este evento, es un comercio electrónico en el que puedes encontrar todo para la grabación, producción musical, sintetizadores, Dj, broadcasting y soluciones de acústica para cualquier espacio; distribuidor autorizado del software y hardware de Ableton, cuenta con los mejores precios para adquirirlos en nuestro país.

www.tiendadigitalmusical.com


¡Jeffrey Sutorius recupera el nombre de Dash Berlin!

Después de un año con discusiones judiciales con sus anteriores compañeros, Jeffrey Sutorius vuelve a tomar el control del proyecto de música electrónica “Dash Berlin“.

Tiene un año desde que conocimos la sorprendente noticia que el principal integrante de Dash Berlin, Jeffrey Sutorius, saldría de forma forzosa del proyecto. Debido a que sus anteriores compañeros, Sebastiaan Molijn y Eelke Kalberg, se apropiaron del registro legal y artístico de ‘Dash Berlin’ dejando fuera a Jeffrey y a sus fans molestos por esa terrible acción.

Jeffrey no se quedo de manos cruzadas y decidió llevar el caso a los tribunales de la mano de sus abogados, esta semana se dio a conocer que ambas partes han llegado a un acuerdo para que Sebastiaan, Eelke y su agencia abandonen completamente su participación en el proyecto “Dash Berlin“,  volviendo a dejar en manos de Jeffrey su liderazgo.
A continuación podrán leer la carta de Sebastiaan y Eelke en la que dan anuncio de su salida del proyecto:

“Queridos amigos, fans, promotores y prensa.
Nos complace anunciar que, después de un tiempo bastante difícil para todos nosotros, logramos superar nuestras diferencias y malentendidos. Al final del día, la buena comunicación lo es todo. Después de un viaje sensacional en una montaña rusa de más de 10 años con muchos puntos destacados, todos hemos llegado a la conclusión de que la química entre nosotros se ha ido y que es hora de un cambio.
Ahora todos esperamos un nuevo capítulo. Jeffrey Sutorius continuará con el legado de Dash Berlin dentro de su propia visión. Los miembros fundadores y productores de música Sebastiaan Molijn y Eelke Kalberg, junto con la Agencia Vanderkleij, han decidido poner fin a su parte en el proyecto Dash Berlin para centrarse en nuevos proyectos musicales emocionantes.
Todos nos deseamos nada más que buenas vibraciones y éxito. Agradecemos a todos su apoyo.”

Te compartimos nuestro playlist con canciones de Dash Berlin para que inicies con actitud la semana:

¡Ya puedes escuchar “TIM” el nuevo álbum de Avicii!

Por fin vio la luz el esperado álbum póstumo de Avicii, a un año después de su muerte, “TIM” un álbum con 12 temas que Tim tenía guardados, algunos terminados y grabados por completo como “Heaven” que en el año 2014 grabo junto a “Chris Martin” de la agrupación “Coldplay” produciendo una versión final en el 2016.

Otros no terminados que han sido completados por un trío de productores que habían colaborado con Tim a lo largo de su carrera, y que habían co-escrito muchas de sus nuevas canciones.

Las ganancias netas de este álbum se destinarán a la fundación sin ánimo de lucro Tim Bergling, que apoya a organizaciones que combaten los problemas de salud mental, así como a la prevención y educación contra el suicidio, la conservación de la vida silvestre entre otros proyectos.

La historia tras cada uno de los cortes de este álbum, ha sido plasmada en una serie de vídeos, en los que se explican detalles sobre el proceso de recuperación, de producción o el significado para los implicados en la culminación de los mismos.

Te compartimos el álbum completo de este gran DJ y Productor que sin duda nos ayudara a llenar el vació que dejo en la escena de la música electrónica.

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