Deadmau5 revela cómo codificó su propio show

En la víspera del primer espectáculo de su gira actual, que comenzó en septiembre. 12, Joel Zimmerman estaba encerrado en una habitación de un hotel de Dallas escribiendo código. Utilizando una versión personalizada de la plataforma de desarrollo visual Derivative TouchDesigner, el productor de música electrónica de gran éxito, deadmau5 está dando los últimos toques a un espectáculo audiovisual de ocho meses y miles de horas de preparación.

Llamado Cube v3, es la producción tecnológica más avanzada de Zimmerman hasta la fecha. Zimmerman habla en lenguaje codificador: herramientas IDE, sistemas de GPU, suites de digitalización de manejo de datos, mientras discute su show, para el cual él y su equipo usaron TouchDesigner (una compañía canadiense elegida parcialmente por su proximidad a la casa del artista a las afueras de Toronto) para escribir las miles de líneas que juntas forman el Cubo. Ahora completo, el Cubo, una enorme estructura giratoria desde la que actúa, muestra imágenes como “El jardín de las delicias terrenales” de Bosch y el logo insignia “mau5head” para los temas como “Raise your weapon” y “Ghosts N Stuff “.

La mayoría de los artistas electrónicos utilizan tecnología playback para sus visuales, mostrando imagenes hechas previamente adecuadas a un set bloqueado. Con el Cube v3, Zimmerman puede activar visuales en tiempo real, permitiendo espontaneidad durante sus sets y asegurando que ninguno de sus shows de febrero 2020 en Norte América, sean iguales.

“El show se ha desarrollado de una forma que literalmente encendemos el servidor con todas las aplicaciones de TouchDesigner, presionamos F1, lo minimizamos y después no lo volvemos a ver nunca,” dice Zimmerman, quien se asoció con Chirs Schroeder Productions y con el diseñador técnico Collins Stenzel (quien ha trabajado en festivales como Life in Color y Spring Awakening). Las aplicaciones leen información enviada a través de cues sónicos (como nombres de temas y notas) y responden proporcionalmente. “Yo no lo llamaría Inteligencia Artificial,” continúa, “pero definitivamente existe algo de inteligencia en el sistema que dice, ‘Joel está haciendo esto, entonces voy a hacer un fade a negros y procede a hacerlo.’ ”

Y mientras él está emocionado por compartir con sus fans el nuevo show, Zimmerman dice que la parte más gratificante del proceso hasta ahora ha sido volar las mentes de los desarrolladores cuya tecnología utilizó para hacer el programa. “Los tipos que inventaron muchas de las herramientas IDE que estoy usando aparecen y dicen:” Mierda, nunca he visto a nadie usar lo que hice para algo como esto”.

Fuente: Billboard. 9/20/2019 by Katie Bain

Música y videojuegos, un paseo histórico por los 8 y 16 bits

Hablar de música y videojuegos es hacer referencia a todo un género propio que ha tenido una enorme evolución con el paso de los años, hasta convertirse en algo que ha conseguido romper fronteras y atraer a una enorme cantidad de usuarios.

Sí, la música de los videojuegos tiene un papel que va más allá de la simple ambientación, tiene entidad propia, aunque siendo justos debemos puntualizar que en sus orígenes era algo que de forma independiente, esto es, aislada del juego, sólo llegó a tener un negocio real en Japón.

Hoy, sin embargo, su atractivo ha superado barreras y prejuicios y ha conseguido una gran base de fans que no dudan en escuchar la música de sus juegos favoritos en sus ratos de ocio, o incluso para realizar diversas actividades diarias, ya sea trabajar, estudiar o hacer deporte.

Siempre ha sido importante, pero su popularidad se disparó sobre todo con el uso de canciones reales en sistemas relativamente modernos. En este sentido podemos decir que el punto de inflexión se produjo con la llegada de Dreamcast y PS2, aunque PS1 fue toda una precursora.

Con todo los más viejos del lugar no podemos evitar recordar con cariño aquel sonido «de chip» que nos brindaban los primeros sistemas de ocho bits, con canciones que hoy en día suenan de maravilla en diferentes reinterpretaciones con instrumentos reales.

No hay duda, la historia de la música en los videojuegos es muy rica, y por ello hemos querido llevaros a dar un paso por ella a través de algunas de las canciones más populares que han quedado como auténticas joyas imperecederas.

La música chip y los 8 bits, el inicio de algo grande

En la mayoría de los casos se prescindía de utilizar «bandas sonoras» en sentido estricto y se apostaba únicamente por los efectos de sonido, algo que fue cambiando en gran medida a partir de los años 80.

En este sentido la gran revolución vino gracias a la Famicom de Nintendo, que asomó en Japón en 1983 y era capaz de reproducir hasta 6 canales de sonido, superando en gran medida las limitaciones iniciales que enfrentó la llegada de la música a los videojuegos.

Podemos considerar ese momento como el inicio de la «Edad de Oro» de lo que se conoce como «chiptune», algo que se ha mantenido hasta hoy con una gran base de fans y seguidores aficionados sobre todo a la cultura retro dentro del mundo del videojuego.

Algunos temas de 8 bits:

Llegan los 16 bits y el muestreo digital

Uno de los sistemas más populares de esta generación fue la Mega Drive de SEGA, la primera de 16 bits en conseguir una gran popularidad en todo el mundo y si no me falla la memoria también es la consola más vendida de dicha firma en toda su historia.

Marcó una evolución importante en cuanto a calidad gráfica y amplió las posibilidades en juegos gracias a la mayor potencia que le daba sobre todo su procesador Motorola 68000, aunque apostaba por una aproximación híbrida en lo que respecta a calidad de sonido.

Así, disponía de diez canales en total con uno para muestras PCM en estéreo, superior a los 6 canales en mono de la NES. Dicho canal PCM se usaba a menudo para muestras de percusión, pero el sonido seguía siendo de 8 bits.

Era un avance claro, pero mantenía limitaciones que sólo los más grandes consiguieron superar tirando del sintetizador FM, entre los que merece una especial mención el genial Yuzo Koshiro.

Super Nintendo llegó después e hizo gala de una superioridad técnica clara a la de Mega Drive, salvando la abismal distancia que existía entre ambas a nivel de CPU.

Dicha superioridad se plasmó claramente en el sonido, ya que «el Cerebro de la Bestia» que presentó Nintendo contaba con un chip de sonido DSP desarrollado por Sony junto al SPC700, sumando ocho canales de sonido muestreado de hasta 16 bits en estéreo a 32 kHz.

Algunos de los temas en 16 bits

Fuente: muycomputer.com/

El primer estudio de música electrónica del mundo

Conocido como el primer estudio de música moderna, en alemán el Studio für Elektronische Musik des Westdeutschen Rundfunks (WDR) en Colonia, la instalación de la Radio de Alemania Occidental se convirtió en la mejor aliada para los músicos y productores de todo el mundo ansiosos de experimentar con nuevos sonidos. Fue allí donde surgieron las notas sintetizadas electrónicamente que se mezclaron para crear un género musical completamente nuevo y admirado en todo el planeta.

El concepto de un estudio para crear música electrónica fue creado por los compositores Werner Meyer-Eppler, Robert Beyer y Herbert Eimert, quienes durante muchos años trabajaron sobre los requisitos técnicos del desafío que tenían en mente.

Robert Beyer realizó diversas publicaciones sobre el problema de la ‘música que viene’, es decir, la música basada en electroacústica, a la vez que trabajó como mezclador de sonido. A partir de 1946 trabajó para la WDR como editor.

Herbert Eimert, que estudió en el Conservatorio de Colonia y en la Universidad de Colonia, escribió libros de música y en los años treinta construyó instrumentos musicales. Trabajó para la WDR entre 1928 y 1933 y en 1945 volvió a trabajar para la transmisión de radio en Colonia. A partir de 1948 se hizo cargo de la programación de música nocturna de la emisora.

Por último, Werner Meyer-Eppler obtuvo una titulación doctoral en Física en 1942 y en 1953 en Fonética y Estudios de Comunicación. Desde 1949 fue profesor en el Instituto de Fonética y Estudios de Comunicación en Bonn y ese mismo año publicó su libro “Elektrische Klangerzeugung” (Generación de sonidos eléctricos), en el que resumió el conocimiento sobre instrumentos de música electrónica y el método de síntesis de voz conocido hasta ese momento. Fue el primero en referirse con esos términos a lo que acabaría siendo un nuevo género musical.

En 1949 comenzó a fraguarse el Estudio para la Música Electrónica cuando Meyer-Eppler ofreció una conferencia en la ciudad de Detmold sobre las posibilidades de desarrollo de los mezcladores de sonido con la presentación de una cinta magnética grabada. Fue en esta conferencia de mezcladores donde Beyer y Meyer-Eppler intercambiaron sus ideas y conocimientos. Ahí nació la idea de realizar conferencias sobre música electrónica.

Robert Beyer recibió la aprobación de la propuesta por parte del gerente de los Cursos de Verano de Darmstadt y el 21, 22 y 23 de agosto de 1950 Beyer y Meyer-Eppler ofrecieron conferencias sobre “el mundo de los sonidos de la música electrónica”.

Fue en ese momento, en Darmstadt, donde Beyer, Meyer-Eppler y Eimer se encontraron: Herbert Eimert estuvo presente en estas conferencias y junto a otros asistentes se interesó tanto por el asunto de la música electrónica que al año siguiente pasó a formar parte de los Cursos de Verano, que llevaron el título de ‘Música y tecnología’.

Cuando el estudio finalmente tomó una forma concreta, Beyer y Eimert pudieron crear, tanto juntos como por separado, algunos estudios de sonido siguiendo criterios puramente auditivos e intuituvos. La primera demostración pública de estas piezas tuvo lugar en una presentación el 26 de mayo de 1953. Este evento se anunció en ese momento como la apertura oficial y la fundación del estudio.

Desde entonces, bajo el liderazgo de Herbert Eimert, el WDR Estudio para la Música Electrónica se convirtió en un lugar de encuentro internacional. Compositores como Ernst Krenek (Austria / EEUU), György Ligeti (Hungría), Franco Evangelisti (Italia), Cornelius Cardew (Inglaterra), Mauricio Kagel (Argentina) y Nam June Paik (Corea) vivían y trabajaban en Colonia. 

Las obras clave de esos años fueron escritas por Gottfried Michael Koenig, quien dominó el estudio como ningún otro y ayudó a muchos compositores a crear sus piezas. El lenguaje y la tecnología de la música electrónica temprana encontraron su culminación en sus obras, como ‘Klangfiguren II’ (1955), ‘Ensayo’ (1957) y ‘Terminus I’ (1962), que son tan radicales como virtuosas.

Fuente: https://elpais.com/cultura/

Imágenes: http://120years.net/wdr-electronic-music-studio-germany-1951/

Del video: The Orchard Music (en nombre de Cherry Red Records) y 1 sociedades de derechos musicales

Así fue el show de David Guetta en Tomorrowland 2019 y su homenaje a Avicii

Don Diablo, Alesso, Armin Van Buuren… también han publicado sus sesiones

Un tremendo aguacero quiso convertirse en protagonista del último fin de semana del Tomorrowland 2019, el mayor festival de música electrónica de Europa. Pero los grandes DJ’s del planeta no sucumbieron a la lluvia y dejaron memorables sesiones como la que ofreció David Guetta y que incluyó un sentido homenaje a Avicii.

El DJ francés no faltó por decimoquinto año consecutivo a su cita con Tomorrowland y ofreció uno de esos shows que se recordarán durante años.

El festival celebraba su 15º aniversario con uno de los mejores carteles de su historia en el que no podía faltar un David Guetta que estuvo pletórico durante una sesión en la que tiró de clásicos (I gotta feeling de Black Eyed Peas, Sweet dreams de Eurythmics, Livin on a prayer de Bon Jovi, Sweet child o mine de Guns n roses…), de repertorio propio (Titanium, When love takes over, Bad, Lovers on the sun, Say my name…) y en el que tuvo un cariñoso recuerdo para Avicii.

El DJ sueco fallecido hace algo más de un año fue protagonista de la sesión de David Guetta con un particular remix de su éxito Heaven junto a Chris Martin.

No fue el único homenaje ni la única sesión de la que el mundo de la electrónica ha hablado. Y es que los DJ’s participantes en Tomorrowland 2019 han ido publicando paulatinamente sus sesiones en sus canales oficiales.

Es el caso de Robin SchulzDon DiabloArmin van BuurenTiestoAlessoSteve AokiThe ChainsmokersAfrojackNicky Romero… Son horas y horas de la mejor música electrónica a tu disposición a un solo click.

Fuente: https://los40.com/

Reunión Jalisco Ableton Usergroup

La compañía internacional de producción musical Ableton, Knob Studio y Tienda Digital Musical tienen el honor de invitarlos a la primera reunión del Ableton Usergroup de Jalisco. Esta reunión tiene como finalidad crear una comunidad y acercamiento entre las personas que estén interesadas en utilizar Ableton Live como plataforma para la creación, composición, improvisación y producción musical.

El Ableton Usergroup de Jalisco está a cargo de Reid Strange, productor musical y único profesor certificado por Ableton en la ciudad de Guadalajara.

En esta primera reunión tendremos como invitado especial a Javier de la Peza, nos mostrará parte de su trabajo como integrante de la reconocida banda internacional Troker.

La cita es el sábado 27 de julio a las 17:00 hrs en el Segundo Piso ubicado en la calle Pedro Moreno 947-2. ¡Entrada libre los esperamos!

Reid Strange

Reid Strange es ingeniero de audio, productor musical y educador en Guadalajara, Jalisco. Es el propietario de Orpheus Studio donde ofrece servicios de producción e ingeniería de música a artistas, así como soluciones para presentaciones en vivo utilizando Ableton Live, en una variedad de estilos musicales. También es profesor en Knob Studio, escuela de producción musical y DJ en Guadalajara. Reid comenzó a utilizar Ableton Live en 2005 y desde entonces ha compartido con entusiasmo sus conocimientos.

Comenzó a tocar música a una edad temprana, aprendiendo instrumentos como el piano, la trompeta, el violín y la guitarra, antes de decidirse por el bajo como su instrumento preferido. Reid fue un participante activo en la escena del rock de Seattle, WA durante varios años, y durante este tiempo comenzó a desarrollar soluciones creativas de presentaciones en vivo para bandas, utilizando Ableton Live.

Reid es un apasionado de una amplia gama de géneros y  estilos musicales, se especializa además en la música electrónica, rock y pop. Además de ofrecer soluciones de actuación en vivo para bandas que usan Live, Reid ofrece cursos de producción avanzados, individuales y en grupos pequeños a estudiantes que buscan especializarse en Diseño de sonido, Mezcla y Masterización en Knob Studio.

https://soundcloud.com/orpheusstudiomx

Javier de la Peza

Javier de la Peza es un productor musical con más de 7 años de experiencia dando cursos y talleres de todos los aspectos de la producción musical. También es el DJ de Troker y ha tocado usando Ableton en el escenario en eventos internacionales como el Vancouver Jazz Festival 2019 y Saskatoon Jazz Festival 2019. Actualmente es Profesor del área de Producción Musical en la Universidad Libre de Música en la ciudad de Guadalajara.

https://www.youtube.com/user/habierinemaniak

*Tienda Digital Musical patrocinador de este evento, es un comercio electrónico en el que puedes encontrar todo para la grabación, producción musical, sintetizadores, Dj, broadcasting y soluciones de acústica para cualquier espacio; distribuidor autorizado del software y hardware de Ableton, cuenta con los mejores precios para adquirirlos en nuestro país.

www.tiendadigitalmusical.com


Conoce el cartel del Corona Capital 2019

Hace unos días se dió a conocer el cartel completo de las bandas que estarán en la siguiente edición del festival Corona Capital en la Ciudad de México este 2019. El Corona Capital festejará su décimo aniversario el próximo 16 y 17 de noviembre en el Autódromo Hermanos Rodríguez.

Tras una larga espera, en redes sociales del festival apareció una imagen en donde se puede leer el nombre de las bandas que se presentarán como The Strokes, Billie Eilish, Weezer y Franz Ferdinand, Interpol, entre otras. Una de las sorpresas de este año fue Keane, quien no visita el país desde 2012.

El anunció de que Interpol formará parte del festival desató la emoción de sus fans, pues el rumor de su visita a México circulaba en redes sociales desde hace algunas semanas. Hasta el momento se han confirmado 55 bandas y solistas que interpretarán sus temas más populares durante los dos días de festival.

Desde su primera edición, el Corona Capital ha reunido a exponentes nacionales e internacionales y ha logrado convertirse en uno de los festivales más importantes de México y América Latina. La preventa de boletos se realizará el 5 y 6 de junio, será para tarjetahabientes Citibanamex y las entradas estarán disponibles al público en general a partir del 7 de junio.

Te compartimos el cartel completo:

Escucha el nuevo sencillo de Rammstein

Diez años después de su último álbum, Rammstein regresa oficialmente este jueves con Deutschland, primer avance del que será su séptimo disco de estudio.

Antes de su estreno, este single ya ha causado una fuerte controversia en Alemania, pues ayer el grupo adelantaba un breve teaser en el que sus integrantes aparecen vestidos a modo de prisioneros de los campos de concentración nazis. Esto ha provocado, ya antes del estreno del videoclip completo, críticas del Comisionado del Gobierno alemán para asuntos de antisemitismo, así como del Consejo Central de los Judíos en Alemania.

Este Deutschland, que parece incluir una furibunda crítica contra el país natal de Rammstein, es el primer adelanto de todo un nuevo álbum que se llamará sencillamente Rammstein y que llegará el próximo 17 de mayo. La banda presentará este nuevo álbum con un único concierto en España el próximo 1 de junio en el estadio del RCD Espanyol de Barcelona.