El primer estudio de música electrónica del mundo

Conocido como el primer estudio de música moderna, en alemán el Studio für Elektronische Musik des Westdeutschen Rundfunks (WDR) en Colonia, la instalación de la Radio de Alemania Occidental se convirtió en la mejor aliada para los músicos y productores de todo el mundo ansiosos de experimentar con nuevos sonidos. Fue allí donde surgieron las notas sintetizadas electrónicamente que se mezclaron para crear un género musical completamente nuevo y admirado en todo el planeta.

El concepto de un estudio para crear música electrónica fue creado por los compositores Werner Meyer-Eppler, Robert Beyer y Herbert Eimert, quienes durante muchos años trabajaron sobre los requisitos técnicos del desafío que tenían en mente.

Robert Beyer realizó diversas publicaciones sobre el problema de la ‘música que viene’, es decir, la música basada en electroacústica, a la vez que trabajó como mezclador de sonido. A partir de 1946 trabajó para la WDR como editor.

Herbert Eimert, que estudió en el Conservatorio de Colonia y en la Universidad de Colonia, escribió libros de música y en los años treinta construyó instrumentos musicales. Trabajó para la WDR entre 1928 y 1933 y en 1945 volvió a trabajar para la transmisión de radio en Colonia. A partir de 1948 se hizo cargo de la programación de música nocturna de la emisora.

Por último, Werner Meyer-Eppler obtuvo una titulación doctoral en Física en 1942 y en 1953 en Fonética y Estudios de Comunicación. Desde 1949 fue profesor en el Instituto de Fonética y Estudios de Comunicación en Bonn y ese mismo año publicó su libro “Elektrische Klangerzeugung” (Generación de sonidos eléctricos), en el que resumió el conocimiento sobre instrumentos de música electrónica y el método de síntesis de voz conocido hasta ese momento. Fue el primero en referirse con esos términos a lo que acabaría siendo un nuevo género musical.

En 1949 comenzó a fraguarse el Estudio para la Música Electrónica cuando Meyer-Eppler ofreció una conferencia en la ciudad de Detmold sobre las posibilidades de desarrollo de los mezcladores de sonido con la presentación de una cinta magnética grabada. Fue en esta conferencia de mezcladores donde Beyer y Meyer-Eppler intercambiaron sus ideas y conocimientos. Ahí nació la idea de realizar conferencias sobre música electrónica.

Robert Beyer recibió la aprobación de la propuesta por parte del gerente de los Cursos de Verano de Darmstadt y el 21, 22 y 23 de agosto de 1950 Beyer y Meyer-Eppler ofrecieron conferencias sobre “el mundo de los sonidos de la música electrónica”.

Fue en ese momento, en Darmstadt, donde Beyer, Meyer-Eppler y Eimer se encontraron: Herbert Eimert estuvo presente en estas conferencias y junto a otros asistentes se interesó tanto por el asunto de la música electrónica que al año siguiente pasó a formar parte de los Cursos de Verano, que llevaron el título de ‘Música y tecnología’.

Cuando el estudio finalmente tomó una forma concreta, Beyer y Eimert pudieron crear, tanto juntos como por separado, algunos estudios de sonido siguiendo criterios puramente auditivos e intuituvos. La primera demostración pública de estas piezas tuvo lugar en una presentación el 26 de mayo de 1953. Este evento se anunció en ese momento como la apertura oficial y la fundación del estudio.

Desde entonces, bajo el liderazgo de Herbert Eimert, el WDR Estudio para la Música Electrónica se convirtió en un lugar de encuentro internacional. Compositores como Ernst Krenek (Austria / EEUU), György Ligeti (Hungría), Franco Evangelisti (Italia), Cornelius Cardew (Inglaterra), Mauricio Kagel (Argentina) y Nam June Paik (Corea) vivían y trabajaban en Colonia. 

Las obras clave de esos años fueron escritas por Gottfried Michael Koenig, quien dominó el estudio como ningún otro y ayudó a muchos compositores a crear sus piezas. El lenguaje y la tecnología de la música electrónica temprana encontraron su culminación en sus obras, como ‘Klangfiguren II’ (1955), ‘Ensayo’ (1957) y ‘Terminus I’ (1962), que son tan radicales como virtuosas.

Fuente: https://elpais.com/cultura/

Imágenes: http://120years.net/wdr-electronic-music-studio-germany-1951/

Del video: The Orchard Music (en nombre de Cherry Red Records) y 1 sociedades de derechos musicales

Armonía Contemporánea – Acordes de séptima

En esta ocasión hablaremos de un tema que vemos dentro del módulo de Armonía Contemporánea. La construcción de los acordes de séptima.

Un acorde de séptima se forma a partir de cuatro notas por terceras superpuestas que serán 1 (fundamental), 3 (tercera) 5 (quinta) y 7 (séptima).

Existen diversos tipos o cualidades de acordes de séptima, los cuales se muestran a continuación:

1. Maj7 – Acorde mayor con séptima mayor. Su estructura interválica es 1 (fundamental)-3 (tercera mayor)- 5 (quinta justa)- 7 (séptima mayor). Este acorde tiene una sonoridad brillante y suave.

2. m7 – Acorde menor con séptima menor. Su estructura interválica es 1 (fundamental)- b3 (tercera menor)- 5 (quinta justa)- b7 (séptima menor). Este acorde tiene una sonoridad muy consonante y es un acorde muy moldeable, fácil de manipular para utilizarse un muchos géneros y estilos de música.

3. 7 – Acorde de séptima de dominante, o también podemos nombrarlo como acorde mayor con séptima menor. Su estructura interválica es 1 (fundamental)- 3 (tercera mayor)- 5 (quinta justa)- b7 (séptima menor). Este acorde es muy dinámico y luminoso. podemos utilizarlo en géneros como el funk, house, y en general en piezas que impliquen un buen groove.

4. m7(b5) – Acorde semidisminuído o séptima de sensible. Su estructura interválica es 1 (fundamental)- b3 (tercera menor)- 5 (quinta disminuida)- b7 (séptima menor). Este acorde tiene una sonoridad un poco instable y disonante. Funciona como un sustituto o extensión de un V7 o bien, dentro de una progresión armónica en tonalidad mayor o menor.

5.m(maj7) – Acorde menor con séptima mayor. Su estructura interválica es 1 (fundamental)- b3 (tercera menor)- 5 (quinta justa)- 7 (séptima mayor). Este acorde es tenso y tiene una sonoridad obscura. Por su cualidad disonante funciona como un acorde de paso o con una duración rítmica corta.

6.Maj7(#5) – Acorde aumentado con séptima mayor. Su estructura interválica es 1 (fundamental)- 3 (tercera mayor)- #5 (quinta aumentada)- 7 (séptima mayor). Este acorde es muy tenso y disonante. Funciona para géneros y estilos más sofisticados como el jazz, fusión, bossa nova.

7. °7 – Acorde disminuido con séptima disminuida. Su estructura interválica es 1 (fundamental)- b3 (tercera menor)- 5 (quinta disminuida)- bb7 (séptima disminuida). Este acorde ha sido muy utilizado en la armonía clásica sustituyendo al V7 en el modo menor o como mixtura. Es un acorde disonante, inestable sonoramente y que nos sirve también para modular.

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Introducción a la Armonía Contemporánea

En esta ocasión hablaremos de una materia que vemos en el Diplomado en Producción Musical en Knob Studio. Corresponde al tema de Armonía Contemporánea.

La armonía es un elemento de la música que se encarga del estudio de los acordes y su relación con la melodía. Los acordes colorean a la melodía y nos ayudan a expresar y proyectar las emociones, así como los diferentes estados de ánimo.

Estudiar y comprender la función de la armonía, nos ayudará a definir el color armónico que tendrá una composición así como derivar de la armonía el arreglo correspondiente para los instrumentos.

La armonía contemporánea estudia la estructuración de la música popular contemporánea en los diferentes géneros y estilos como el jazz, rock, pop, funk, etc.

Es necesario estudiar comprender, analizar, componer y tocar los diferentes grados de tensión melódica y armónica que caracterizan y diferencian a los diversos géneros de la música popular contemporánea.

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Armonización del modo menor

En esta ocasión hablaremos acerca de la armonización del modo menor. Esto comprende la construcción de acordes de triada que corresponden a la escala menor natural, menor armónica y menor melódica.

Para recordar la estructura de estas escalas haremos un repaso como se muestra a continuación:

1.Escala menor natural: se forma de tono-semitono-tono-tono-semitono-tono-tono, su fórmula numérica lo representamos como 1 2 b3 4 5 b6 b7 8.

2.Escala menor armónica: se forma de tono-semitono-tono-tono-semitono-tono y medio-semitono, su fórmula numérica lo representamos como 1 2 b3 4 5 b6 7 8.

3.Escala menor melódica: se forma de tono-semitono-tono-tono-tono-tono-semitono, su fórmula numérica lo representamos como 1 2 b3 4 5 6 7 8.

Para construir los acordes que corresponden a estas escalas es necesario seguir los siguientes pasos:

  1. Construir la escala menor correspondiente.
  2. Construir acordes por terceras superpuestas a partir de cada una de las notas de la escala.
  3. Escribir la cualidad de acorde derivada de la armonización de cada nota de la escala.
  4. Escribir el grado y cualidad que se forma sobre cada grado de la escala.

Escala menor natural: tiene la estructura 1 2 b3 4 5 b6 b7 8. Las cualidades de acordes que resultan de la armonización son im-iiº-bIII-ivm-vm-bVI-bVII.

Escala menor armónica: tiene la estructura 1 2 b3 4 5 b6 7 8. Las cualidades de acordes que resultan de la armonización son im-iiº-bIII+-ivm-V-bVI-viiº.

Escala menor melódica: tiene la estructura 1 2 b3 4 5 6 7 8. Las cualidades de acordes que resultan de la armonización son im-iiº-bIII+-IV-V-viº-viiº.

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Construcción de escalas

En esta ocasión hablaremos de un tema que vemos en el Diplomado en Producción Musical en Knob Studio. Este tema es sobre de teoría musical, y se refiere a la construcción de escalas.

La comprensión y conocimiento de las escalas es básico para construir melodías y acordes, de esta manera tendremos un discurso melódico y armónico en la música.

Las escalas se construyen a partir de un patrón interválico determinado, es decir un orden de tonos y semitonos definido. Las escalas nos dan referencia a un lugar geográfico, a una cultura e incluso un periódo en particular en la historia de la humanidad.

Existe una amplia diversidad de escalas como idiomas. En la música contemporánea occidental estudiamos tres escalas fuente ó escalas madre de donde parten todos los géneros de música contemporánea: la escala mayor, escala menor natural y sus variantes, menor armónica y menor melódica.

Para comprender la construcción de una escala es necesario entender las distancias entre las notas. La distancia más corta se llama medio tono o semitono, y consiste en un paso en la escala cromática.

Un tono consiste en dos pasos en la escala cromática.

La escala mayor se forma de la siguiente construcción interválica: tono-tono-semitono-tono de unión-tono-tono-semitono. Su estructura interválica es 1 2 3 4 5 6 7 8.

La escala menor tiene 3 formas que son: escala menor natural, menor armónica y menor melódica. Cada una de ellas tiene una sonoridad y uso particular en los diferentes géneros y estilos musicales. La escala menor natural se forma de tono-semitono-tono-tono-semitono-tono-tono. Su estructura interválica es 1 2 b3 4 5 b6 b7 8.

La escala menor armónica se forma de tono-semitono-tono-tono-semitono-tono y medio-semitono. Su estructura interválica es 1 2 b3 4 5 b6 7 8.

La escala menor melódica se forma de tono-semitono-tono-tono-tono-tono y medio-semitono. Su estructura interválica es 1 2 b3 4 5 6 7 8.

¡Esperamos te haya sido de utilidad este artículo, nos vemos en el siguiente! Si deseas más información sobre nuestros Cursos y Diplomados puedes consultar nuestra oferta académica en www.knobstudio.com.mx

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Creación de progresiones armónicas

En esta ocasión hablaremos acerca de un tema de armonía, cómo crear progresiones de acordes. Para crear una progresión armónica es necesario conocer algunos conceptos básicos como lo explicamos a continuación.

Para formar un acorde es necesario contar con al menos 3 notas, que llamaremos fundamental o tónica (1), tercera (3), y quinta (5). A este tipo de acordes se les conoce como acordes de triada.

El siguiente paso es armonizar una escala mayor o menor para crear una progresión de acordes en una tonalidad, es decir, saber que acordes disponibles tiene una escala. En este caso partiremos de una tonalidad mayor. Formamos la escala mayor, después construimos acordes por terceras superpuestas con las notas de la escala y por último derivamos la cualidad de acorde por cada nota de la escala.

A cada acorde asignaremos un grado con número romano para poder combinarlos y tener una referencia de cada uno de ellos.

Posteriormente combinaremos diferentes cualidades de acordes dentro de 4 compases, para tener así una semifrase o estructura de 4 compases.

Por último duplicamos esos 4 compases para obtener una estructura de 8 compases y así una frase.

Te recomendamos experimentar con diferentes combinaciones de acordes mayores y menores principalmente. Probar en diferentes registros y experimentar con diversos timbres. Esperamos te haya sido de utilidad este artículo. ¡Nos vemos en el siguiente blog!

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¿Qué puedo estudiar en Knob Studio?

¿Te interesa producir tu propia música? ¿Tienes ideas musicales y no sabes como transmitirlas? ¿Quieres aprender a ejecutar un instrumento y tocar tu propia música?¿Te gustaría ser un DJ profesional? ¿Quieres producir música electrónica? Si te haces alguna de estas preguntas Knob Studio tiene la mejor opción para tí, contamos con cursos y diplomados diseñados para que comiences desde cero, tenemos una amplia oferta académica para puedas desarrollarte como músico profesional y puedas vivir de la música.

Los Cursos que ofrecemos son los siguientes:

  • Ableton Live 101: Este curso está impartido por nuestro profesor Reid Strange, único profesor certificado por Ableton Live en la ciudad de Guadalajara. El curso se divide en 3 nivles y está diseñado para que puedas aprender y conocer todas las herramientas que ofrece este excelente software como medio creativo de producción y composición.
  • Producción Digital: Dirigido a personas que quieran aprender a utilizar un software y puedas terminar un track mezclado y masterizado con los estándares requeridos dentro de la industria musical.
  • Composición Contemporánea: Dirigido a personas que quieren aprender a desarrollar y plasmar ideas musicales en los diferentes géneros y estilos de música contemporánea como jazz, rock, blues, funk, hip hop, trap, pop, entre otros.
  • Ejecución de intrumento: Dirigido a personas que quieran desarrollar la habilidad de tocar un instrumento. Actualmente en Knob Studio contamos con clases de piano, guitarra eléctrica y acústica, bajo eléctrico, canto y próximamente batería.
  • DJ Performance: Dirigido a personas que quieren desarrollarse como DJ´s profesionales y puedan trabajar como residentes en clubes o en presentaciones de festivales con proyectos propios.
  • Mezcla y masterizaración: Este curso esta dirigido a personas que quieran especializarse en el proceso de la post producción, es decir darle forma y el toque final a una canción para que suene perfecto en cualquier medio de reproducción y cumpla con los requerimientos para su distribución.
  • Armonía Contemporánea: Curso dirigido a personas que quieran aprender a hacer su propia música y conocer además la construcción y diseño de cualquier género o estilo de música contemporánea.
  • Curso propedeútico: Este curso está dirigido a personas que deseen ingresar a una escuela profesional de música, ya sea a nivel técnico o licenciatura.
  • Los cursos tienen una duración aproximada de 8 meses dependiendo del avance del alumno, es una clase por semana de 2 horas.

Los Diplomados que ofrecemos son los siguientes:

  • Diplomado en Producción Musical: Este diplomado es el más completo con el que contamos y abarca todos los aspectos para que puedas hacer una canción desde cero hasta finalizar con la mezcla y masterización de la misma.
  • Diplomado en Electronic Music & DJ Set: Este diplomado está dirigido a personas que quieres aprender a producir música electrónica y además se desarrollen como DJ´s.
  • Diplomado en Composición Contemporánea: Este diplomado está dirigido a personas que quieran desarrollar y plasmar sus ideas musicales en los diferentes géneros y estilos de la música contemporánea.
  • Los diplomados tienen una duración de 1 año dependiendo del avance del alumno y son 4 horas por semana.
  • Para mayor información sobre el temario, objetivos y requisitos puedes consultar nuestro sitio web en www.knobstudio.com.mx

Teoría musical básica – Intervalos I

En ésta ocasión hablaremos de un tema fundamental para poder desarrollar cualquier idea musical referente a las notas musicales. Este tema es el de los intervalos.

La música se forma de 3 elementos que son melodía, armonía y ritmo. La melodía y la armonía se forman a partir de intervalos. ¿Qué es un intervalo? Un intervalo es la distancia que existe entre dos notas de diferente altura.

El intervalo además puede ser:

  1. Melódico: se toca una de nota después de otra de forma ascendente o descendente.
  2. Armónico: se tocan dos notas de forma simultánea.


Para comprender el intervalo es necesario el conocimiento de la escala natural y de la escala cromática.

La escala natural se forma a partir de las notas blancas del piano, son notas naturales y se conforma de la siguiente manera:

La distancia entre estas notas la nombramos en intervalo simple como unísono, 2a, 3a, 4a, 5a, 6a, 7a y 8va, como lo muestra el ejemplo siguiente:

C- D hay una distancia de 2a

C- E hay una distancia de 3a

C- F hay una distancia de 4a

C- G hay una distancia de 5a

C- A hay una distancia de 6a

C- B hay una distancia de 7a

C- C hay una distancia de 8a

Esto se puede calcular de forma ascendente y descendente a partir de cualquier nota.

La escala cromática se forma de las notas naturales y las notas cromáticas como se muestra en la imagen a continuación:

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