La élite del jazz contemporáneo

El nuevo álbum de Enrico Rava y Joe Lovano recibe una calificación de 9 sobre 10

En una música como el jazz, con tantas ramificaciones, mestizajes y tópicos estéticos, resulta complicado definir la línea que separa la auténtica élite de la mera excelencia. Está claro que hoy en día no hay un John Coltrane, un Thelonious Monk o un Duke Ellington entre nosotros, para empezar porque, aunque muchas veces se hable del género como un todo que abarca más de un siglo de vida, el jazz en 1960, por ejemplo, poco tiene que ver con el jazz en 2019. Pero sí hay una élite artística en la escena actual, algunos nombres que ocupan las capas más altas de la comunidad jazzística, por encima de músicos excelentes y propuestas interesantes (que abundan, no hay duda).

La élite del jazz contemporáneo

Artista: Enrico Rava / Joe Lovano

Disco: Roma

Sello: ECM / Distrijazz

Calificación: 9 sobre 10

El italiano Enrico Rava y, al otro lado del atlántico, Joe Lovano, son parte de esa élite; no tanto por su impresionante carrera, sino por la vigencia y riqueza de su música hoy. Tanto uno como otro han llegado a ese punto en el que, escuchándolos, se siente uno ante un artista total, que ha convertido su discurso en una identidad propia y rotunda, imprescindible para comprender la música de innumerables instrumentistas que han sido influenciados por ella.

Diferentes generaciones y continentes los separan: a pesar de sus orígenes italianos, Lovano es uno de los más grandes nombres del jazz norteamericano en las últimas décadas y, posiblemente, el saxo tenor más influyente del jazz desde Michael Brecker. Rava, tal vez el jazzista europeo en activo más importante hoy, acaba de cumplir nada menos que 80 años y se mantiene en una forma creativa asombrosa, como demuestra en este disco grabado en directo el año pasado en el Parco della Musica de Roma.

¿Qué hace tan grande a esta grabación? Para empezar, el encuentro inédito entre dos músicos como Rava y Lovano, mucho más que el leitmotiv de la sesión: ambos son creadores afines, y juntos generan una energía muy especial. Además, el resto del grupo mantiene el pulso, conformando un quinteto intercontinental compuesto por músicos extraordinarios de edades y procedencias diferentes: Giovanni Guidi, sin duda uno de los pianistas más elocuentes del siglo XXI, que protagoniza algunos de los momentos estelares del disco; Dezron Douglas, sólido contrabajista, muy activo en la escena neoyorquina; y Gerald Cleaver, uno de los bateristas más intuitivos y dinámicos que uno puede escuchar en la actualidad.

El punto de encuentro en este Roma es una confluencia natural de acercamientos al lenguaje del jazz por parte de cada uno de ellos, y el resultado roza la perfección: es inteligente, inspirado, creativo y, al mismo tiempo, está envuelto en cierta ortodoxia, demostrando que en el jazz actual se puede tocar “lo de siempre”, tocando al mismo tiempo algo completamente nuevo.

Fuente: elpais.com por YAHVÉ M. DE LA CAVADA

Música y videojuegos, un paseo histórico por los 8 y 16 bits

Hablar de música y videojuegos es hacer referencia a todo un género propio que ha tenido una enorme evolución con el paso de los años, hasta convertirse en algo que ha conseguido romper fronteras y atraer a una enorme cantidad de usuarios.

Sí, la música de los videojuegos tiene un papel que va más allá de la simple ambientación, tiene entidad propia, aunque siendo justos debemos puntualizar que en sus orígenes era algo que de forma independiente, esto es, aislada del juego, sólo llegó a tener un negocio real en Japón.

Hoy, sin embargo, su atractivo ha superado barreras y prejuicios y ha conseguido una gran base de fans que no dudan en escuchar la música de sus juegos favoritos en sus ratos de ocio, o incluso para realizar diversas actividades diarias, ya sea trabajar, estudiar o hacer deporte.

Siempre ha sido importante, pero su popularidad se disparó sobre todo con el uso de canciones reales en sistemas relativamente modernos. En este sentido podemos decir que el punto de inflexión se produjo con la llegada de Dreamcast y PS2, aunque PS1 fue toda una precursora.

Con todo los más viejos del lugar no podemos evitar recordar con cariño aquel sonido «de chip» que nos brindaban los primeros sistemas de ocho bits, con canciones que hoy en día suenan de maravilla en diferentes reinterpretaciones con instrumentos reales.

No hay duda, la historia de la música en los videojuegos es muy rica, y por ello hemos querido llevaros a dar un paso por ella a través de algunas de las canciones más populares que han quedado como auténticas joyas imperecederas.

La música chip y los 8 bits, el inicio de algo grande

En la mayoría de los casos se prescindía de utilizar «bandas sonoras» en sentido estricto y se apostaba únicamente por los efectos de sonido, algo que fue cambiando en gran medida a partir de los años 80.

En este sentido la gran revolución vino gracias a la Famicom de Nintendo, que asomó en Japón en 1983 y era capaz de reproducir hasta 6 canales de sonido, superando en gran medida las limitaciones iniciales que enfrentó la llegada de la música a los videojuegos.

Podemos considerar ese momento como el inicio de la «Edad de Oro» de lo que se conoce como «chiptune», algo que se ha mantenido hasta hoy con una gran base de fans y seguidores aficionados sobre todo a la cultura retro dentro del mundo del videojuego.

Algunos temas de 8 bits:

Llegan los 16 bits y el muestreo digital

Uno de los sistemas más populares de esta generación fue la Mega Drive de SEGA, la primera de 16 bits en conseguir una gran popularidad en todo el mundo y si no me falla la memoria también es la consola más vendida de dicha firma en toda su historia.

Marcó una evolución importante en cuanto a calidad gráfica y amplió las posibilidades en juegos gracias a la mayor potencia que le daba sobre todo su procesador Motorola 68000, aunque apostaba por una aproximación híbrida en lo que respecta a calidad de sonido.

Así, disponía de diez canales en total con uno para muestras PCM en estéreo, superior a los 6 canales en mono de la NES. Dicho canal PCM se usaba a menudo para muestras de percusión, pero el sonido seguía siendo de 8 bits.

Era un avance claro, pero mantenía limitaciones que sólo los más grandes consiguieron superar tirando del sintetizador FM, entre los que merece una especial mención el genial Yuzo Koshiro.

Super Nintendo llegó después e hizo gala de una superioridad técnica clara a la de Mega Drive, salvando la abismal distancia que existía entre ambas a nivel de CPU.

Dicha superioridad se plasmó claramente en el sonido, ya que «el Cerebro de la Bestia» que presentó Nintendo contaba con un chip de sonido DSP desarrollado por Sony junto al SPC700, sumando ocho canales de sonido muestreado de hasta 16 bits en estéreo a 32 kHz.

Algunos de los temas en 16 bits

Fuente: muycomputer.com/

Un 6 de septiembre de 1943 nace Roger Waters

Roger Waters nace el 6 de septiembre de 1943, en Surrey, Reino Unido; es cofundador de Pink Floyd, convirtiéndose tras la marcha de Syd Barrett en el compositor conceptual de la banda. Además de ser el bajista, compartió el lugar de cantante principal y experimentó con sintetizadores, loops, guitarra eléctrica y acústica. Con él, Pink Floyd alcanzó éxito mundial en la década de 1970 gracias a sus álbumes conceptuales The Dark Side of the Moon, Wish You Were Here, Animals y The Wall. Dejó la banda en 1985 debido a diferencias creativas y legales con los otros integrantes. Resuelta la disputa en 1987, pasaron casi 18 años para que volviese a tocar con la banda. Hacia 2010, el grupo habría vendido más de 250 millones de discos; solo en Estados Unidos, 74 millones de álbumes.​

En 1970, compuso en colaboración con Ron Geesin, Music from The Body, banda sonora del film documental “The Body“, de Roy Battersby, sobre la biología humana. Grabó en estudio cuatro discos en solitario: The Pros and Cons of Hitch Hiking (1984), Radio K.A.O.S. (1987), Amused to Death (1992) y Is This the Life We Really Want? (2017). En 1986, contribuyó a la banda sonora de la película “Cuando el viento sopla”. En 1990, organizó uno de los conciertos con más asistencia de la historia, The Wall – Live in Berlin, con 300 000 espectadores.

En 1996, fue admitido en el Salón de la Fama del Rock de Estados Unidos y del Reino Unido como miembro de Pink Floyd. Desde 1999 ha hecho varias giras. Desde 1989 trabajó en la ópera Ça Ira, estrenada en 2005, pero que un año antes tuvo su prémiere en las celebraciones por el ingreso de Malta en la Unión Europea. El 2 de julio de 2005, se reunió con sus excompañeros de Pink Floyd para el concierto benéfico Live 8, la única aparición de Waters con la banda desde su última actuación hacía 24 años.

En 2010 dio comienzo The Wall Live, una gira mundial donde interpreta The Wall al completo. Durante la misma, el 12 de mayo de 2011, en The O2 Arena, Gilmour y Mason volvieron a compartir el escenario con Waters, Gilmour tocando “Comfortably Numb” y Gilmour y Mason junto a Waters en “Outside the Wall”.

Waters se ha casado cuatro veces y es padre de una hija y dos hijos. En 2004 se comprometió con la actriz y directora Laurie Durning. Se casaron en 2012 y en septiembre de 2015 comenzaron los trámites para su divorcio.

Fuente: www.efeeme.com/efemerides-de-la-musica

El primer estudio de música electrónica del mundo

Conocido como el primer estudio de música moderna, en alemán el Studio für Elektronische Musik des Westdeutschen Rundfunks (WDR) en Colonia, la instalación de la Radio de Alemania Occidental se convirtió en la mejor aliada para los músicos y productores de todo el mundo ansiosos de experimentar con nuevos sonidos. Fue allí donde surgieron las notas sintetizadas electrónicamente que se mezclaron para crear un género musical completamente nuevo y admirado en todo el planeta.

El concepto de un estudio para crear música electrónica fue creado por los compositores Werner Meyer-Eppler, Robert Beyer y Herbert Eimert, quienes durante muchos años trabajaron sobre los requisitos técnicos del desafío que tenían en mente.

Robert Beyer realizó diversas publicaciones sobre el problema de la ‘música que viene’, es decir, la música basada en electroacústica, a la vez que trabajó como mezclador de sonido. A partir de 1946 trabajó para la WDR como editor.

Herbert Eimert, que estudió en el Conservatorio de Colonia y en la Universidad de Colonia, escribió libros de música y en los años treinta construyó instrumentos musicales. Trabajó para la WDR entre 1928 y 1933 y en 1945 volvió a trabajar para la transmisión de radio en Colonia. A partir de 1948 se hizo cargo de la programación de música nocturna de la emisora.

Por último, Werner Meyer-Eppler obtuvo una titulación doctoral en Física en 1942 y en 1953 en Fonética y Estudios de Comunicación. Desde 1949 fue profesor en el Instituto de Fonética y Estudios de Comunicación en Bonn y ese mismo año publicó su libro “Elektrische Klangerzeugung” (Generación de sonidos eléctricos), en el que resumió el conocimiento sobre instrumentos de música electrónica y el método de síntesis de voz conocido hasta ese momento. Fue el primero en referirse con esos términos a lo que acabaría siendo un nuevo género musical.

En 1949 comenzó a fraguarse el Estudio para la Música Electrónica cuando Meyer-Eppler ofreció una conferencia en la ciudad de Detmold sobre las posibilidades de desarrollo de los mezcladores de sonido con la presentación de una cinta magnética grabada. Fue en esta conferencia de mezcladores donde Beyer y Meyer-Eppler intercambiaron sus ideas y conocimientos. Ahí nació la idea de realizar conferencias sobre música electrónica.

Robert Beyer recibió la aprobación de la propuesta por parte del gerente de los Cursos de Verano de Darmstadt y el 21, 22 y 23 de agosto de 1950 Beyer y Meyer-Eppler ofrecieron conferencias sobre “el mundo de los sonidos de la música electrónica”.

Fue en ese momento, en Darmstadt, donde Beyer, Meyer-Eppler y Eimer se encontraron: Herbert Eimert estuvo presente en estas conferencias y junto a otros asistentes se interesó tanto por el asunto de la música electrónica que al año siguiente pasó a formar parte de los Cursos de Verano, que llevaron el título de ‘Música y tecnología’.

Cuando el estudio finalmente tomó una forma concreta, Beyer y Eimert pudieron crear, tanto juntos como por separado, algunos estudios de sonido siguiendo criterios puramente auditivos e intuituvos. La primera demostración pública de estas piezas tuvo lugar en una presentación el 26 de mayo de 1953. Este evento se anunció en ese momento como la apertura oficial y la fundación del estudio.

Desde entonces, bajo el liderazgo de Herbert Eimert, el WDR Estudio para la Música Electrónica se convirtió en un lugar de encuentro internacional. Compositores como Ernst Krenek (Austria / EEUU), György Ligeti (Hungría), Franco Evangelisti (Italia), Cornelius Cardew (Inglaterra), Mauricio Kagel (Argentina) y Nam June Paik (Corea) vivían y trabajaban en Colonia. 

Las obras clave de esos años fueron escritas por Gottfried Michael Koenig, quien dominó el estudio como ningún otro y ayudó a muchos compositores a crear sus piezas. El lenguaje y la tecnología de la música electrónica temprana encontraron su culminación en sus obras, como ‘Klangfiguren II’ (1955), ‘Ensayo’ (1957) y ‘Terminus I’ (1962), que son tan radicales como virtuosas.

Fuente: https://elpais.com/cultura/

Imágenes: http://120years.net/wdr-electronic-music-studio-germany-1951/

Del video: The Orchard Music (en nombre de Cherry Red Records) y 1 sociedades de derechos musicales

Zonderling hablan sobre su nueva música y relación con la disquera de Don Diablo.


Desde el lanzamiento de ‘Tunnel Vision‘ en el año de 2017, los nuevos talentos de Don Diablo no han parado de producir canciones con una excelente calidad. Su último tema “I Do”  lo deja  tan claro que Spinnin’ Records no ha tardado en ofrecerse como sello para que esta canción llegue a todos los fans. Pero está claro que esta discográfica no es la única que aprecia el talento del dúo holandés, Hexagon siempre ha apostado por ellos y así hablan los productores la relación con el sello y su fundador:

Ambos conocemos a Don desde hace muchos años. Él y su sello Hexagon nos han ayudado mucho con nuestra carrera y obviamente estamos muy agradecidos. Es una de las marcas y sellos más fuertes del momento, lo cual es de admirar con la cantidad de música y sellos que hay hoy en día. Estamos trabajando en algo nuevo para Hexagon ahora mismo.”

El buen ambiente de trabajo siempre se ve reflejado en el resultado final, y sin duda, “I Do” representa la buena armonía y la profesionalidad de sus creadores. Así hablan ellos de su último proyecto:

Lo gracioso es que gran parte de la letra y la melodía fueron compuestas por separado, las ajustamos más tarde para juntarlas y combinaban perfectamente. En nuestra opinión, esto le da a la canción una sinergia muy especial. 

La idea de la instrumental era algo que nos rondaba por la cabeza desde hace bastante tiempo, pero nunca encontrábamos a la vocalista perfecta para ella. Entonces, encontramos a Andreas Moss y encajaba a la perfección. Hemos estado recibiendo muchas opiniones y muchas preguntas sobre esta canción después de pincharla en Tomorrowland el año pasado y estamos felices de que todo el mundo ya pueda disfrutarla.”

A continuación te compartimos este excelente track:

¡Conoce a Sonido Dagas!

Paco Robles, conocido en el ámbito músical como Sonido Dagas, tiene un poco más de 2 años creando Moombahtón y Reggaetón.  Ha lanzado varios tracks, que se pueden encontrar en su canal de Spotify.  Una de sus canciones, Corgi Perreo, está en la lista oficial de NeoPerreo de Spotity, al lado de proponentes del genero como Tomasa del Real, Ms. Nina, y Beauty Brain.

Sonido Dagas acaba de cursar el Diplomado en Producción Musical y DJ Set de Knob Studio y pudimos hacerle un par de preguntas acerca de su proceso de producción.

Knob Studio:  Cuales programas usas para producir?

Sonido Dagas:  Actualmente conecto Ableton Live con Propellerhead Reason mediante ReWire para usar lo mejor de ambos programas en la etapa del proceso donde son más adecuados para la tarea.  Me gusta mucho sumar y dividir señales con los Audio/ CV Spider de Reason.

Knob Studio:  Recomiendas algún plugin en particular?

Sonido Dagas:  Recomiendo Rave Generator y OTT.

Knob Studio:  Hay algún consejo que les darían a los productores que van empezando a crear su propia música?

Sonido Dagas:  soundation.com es un programa en línea gratuito para hacer música. La constancia es vital. No des a conocer temas hasta que tengas cierto nivel.

Knob Studio:  Qué podemos esperar de Sonido Dagas a futuro?
Sonido Dagas:  Pura cosa buena. Trabajo en música nueva que quiero lanzar este año.  

Como parte del diplomado de producción de música electrónica, Sonido Dagas hizo un track con un estilo más techno/tech-house, llamado “Warp”, y le quedó increíble!  Pueden escucharlo aquí:

Warp (Original Mix) – Sonido Dagas

No olviden seguir a Sonido Dagas en redes sociales:

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Las Novedades de Live 10.1

La semana pasada, Ableton anunció una actualización a Live! En este video te compartimos las novedades que vienen en Live 10.1.

Todos los usuarios registrados de Ableton Live ya tienen acceso al beta de Live 10.1. Puedes descargar el instalador y probarlo aqui: https://www.ableton.com/en/beta/

En el estudio: Pharrell Williams

Pharrell Lanscilo Williams, nació el 5 de Abril de 1973 en el estado de Virginia en los Estados Unidos de America, actualmente es uno de los productores y raperos mas cotizados de la industria con la increíble cantidad de 10 premios Grammy con su nombre entre ellos “Productor del año”, así como una nominación a los “Oscares” por su canción de “Happy”.

Williams inició su carrera desde temprana edad cuando conoció en un campamento de la escuela a “Chad Hugo” dónde Williams tocaba el teclado y la batería mientras que Hugo el Saxofón. A inicios de los 90’s ambos iniciaron un grupo de “R&B” llamado “The Neptunes” y fueron firmados por “Teddy Riley” para Arista Records. Durante los 90’s The Neptunes produjeron canciones para artistas como “N.O.R.E” y “Kelis” definiendo lo que seria el sonido característico de Williams.

Iniciando el año 2000 produjeron “I Just Wanna Love U (Give It 2 Me)”del famoso rapero “Jay-Z” donde el mismo Williams cantó un coro, Llamando la atención de “Britney Spears” decidiendo que el duo seria encargado de producir el sencillo ”I’m a Slave 4 U” hit que marcaría su carrera para siempre.

En septiembre del año 2004 Pharrell participó en la famosa canción del rapero ”Snoop Dogg” “Drop It Like It’s hot” siendo nombrada la canción de rap de la década. Durante ese año Williams también logro posicionar “Hollaback Girl” de Gwen Stefani en el número uno de las tablas catapultando la carrera de la cantante para siempre.

Durante los siguientes años Williams siguió con su carrera de productor para varios artistas llegando al 2010 compuso el soundtrack de “Despicable Me” junto a Hans Zimmer para en 2014 repetir la formula y crear el éxito mundialmente conocido “Happy” con el cual consiguió la fama internacional.

Se sabe que Williams produce en Logic Pro X y mezcla sus canciones en Pro Tools.

Si deseas aprender a utilizar Logic Pro X te recomendamos nuestro Diplomado en Producción Musical

Hoy recordamos al virtuoso Prince

Prince Rogers Nelson nace un 7 de junio de 1958 en Minneapolis y muere el 21 de abril del 2016 en Chanhassen Minnesota. Fue un cantante, compositor, bailarín, actor, filántropo y multiinstrumentista estadounidense. Era un músico innovador, conocido por su ecléctico trabajo, su extravagante puesta en escena, vestuario y aspecto, y por su amplio registro vocal. Su música integró un sin número de géneros, entre los que se destacan: el funk, el R&B, el new wave, el soul, el blues, el rock e incluso el jazz. En vida vendió más de 100 millones de discos en el mundo, siendo uno de los artistas más exitosos de la historia. Ganó siete premios Grammy, un American Music Award, un Globo de Oro y un premio Óscar por la película Purple Rain.

Ingresó en 2004 en el Salón de la Fama del Rock and Roll tan pronto cumplió los requisitos de elegibilidad y la prestigiosa revista Rolling Stone lo ubicó en la casilla 27 en su lista de los “100 artistas más influyentes de la era del rock & roll”.

Prince desarrolló gran interés por la música desde muy joven. Firmó su primer contrato discográfico con Warner Bros. Records a los 18 años y lanzó su primer álbum For You, en 1978. Su siguiente álbum Prince de 1979, logró la certificación de platino y sus siguientes producciones: Dirty Mind de 1980, Controversy de 1981 y 1999 de 1982 aumentaron su éxito de forma progresiva. Durante esta época, sus letras contenían mensajes sexuales explícitos y combinaba géneros como el funk, el dance y el rock.​ En 1984 lanzó junto con su banda, en ese entonces llamada The Revolution, el álbum Purple Rain, banda sonora de la película del mismo nombre y de la cual fue protagonista. Dicha producción se convirtió en la más exitosa de su carrera, ubicándose en los primeros lugares en las listas durante meses y vendiendo más de 20 millones de copias, convirtiéndose en uno de los discos más vendidos de la historia. Más tarde, lanzaría Around the World in a Day en 1985 y Parade en 1986. En 1987 y ya como solista, lanzó Sign o’ the Times, un álbum doble considerado por la crítica como uno de los más grandes de la música contemporánea.

Lanzaría tres álbumes más hasta formar una nueva banda: The New Power Generation en 1991. A partir de 1993 y debido a graves conflictos con Warner Bros. sobre la autoría y posesión de sus canciones, Prince cambió su nombre a un símbolo impronunciable para evitar cualquier vínculo con su compañía discográfica. Durante este periodo también fue apodado como «El artista antes conocido como Prince», —a menudo abreviado como TAFKAP por sus siglas en inglés (The Artist Formerly Known as Prince)—, o simplemente como “El artista”. Bajo su nuevo nombre lanzó cinco álbumes más hasta firmar un nuevo contrato con la compañía Arista Recordsen 1998. Recuperó su nombre en 2000 y en 2004 lanzó el álbum Musicology, el cual le devolvió popularidad.

Si bien, gran parte de su éxito tuvo lugar durante la década de los ochenta, Prince fue siempre catalogado como uno de los artistas más relevantes de la música moderna. Se le considera el fundador del llamado “sonido Minneapolis”, un híbrido musical surgido de la mezcla del uso de sintetizadores y del rock, el pop y el funk, propios de la región. Solo en los Estados Unidos, vendió alrededor de 39.5 millones de álbumes y algunas de sus canciones como: «1999», “Little Red Corvette”, “When Doves Cry”, “Let’s Go Crazy”, “Purple Rain” y “Kiss” ganaron popularidad a nivel mundial. Una de sus composiciones, “Nothing Compares 2 U”, fue regrabada por la cantante Sinéad O’Connor en 1990 y disfrutó de un inmenso éxito en el mundo. La Enciclopedia Británica lo destaca como una de las más notables estrellas del rock junto con Michael Jackson y Madonna.

Prince falleció el 21 de abril de 2016 debido a una sobredosis accidental de fentanilo en su casa en Paisley Park; tenía 57 años. Se descubrió que Prince dejó más de 100 álbumes inéditos al momentos de su muerte.

Un día como hoy muere Whitney Houston

Whitney Houston reconocida cantante estadounidense, muere un 11 de febrero del 2012 en un hotel de Beverly Hills en Los Ángeles California. Según Guinness World Records es hasta la fecha, la artista más galardonada de todos los tiemposcon dos premios Emmy, seis premios Grammy,​ treinta premios Billboard Music Awards y veintidos American Music Awards, para un total de 415 premios en su carrera. También es una de las artistas musicales que ha vendido un mayor número de discos en el mundo: más de 170 millones de álbumes, sencillos y vídeos. Desde sus inicios se vio influenciada por destacadas cantantes de soul como su madre Cissy Houston, sus primas Dionne Warwick y Dee Dee Warwick y su madrina Aretha Franklin. A los once años empezó su formación musical en un coro infantil de una iglesia en Nueva Jersey, pero su talento fue descubierto tiempo después por Clive Davis, presidente de Arista Records, en la época en que cantaba junto a su madre en clubes nocturnos de Nueva York.

Conocida como “The Voice” debido a su calidad vocal, Whitney llegó a la fama en 1985 con su álbum Whitney Houston, que vendió 30 millones de copias y se convirtió en el álbum de debut con mayores ventas de una intérprete femenina en la historia. En 1987 lanzó su segundo álbum de estudio, que se convirtió en el primero de una artista femenina en debutar en el número uno en la lista de ventas Billboard 200.

Houston consiguió ser la intérprete femenina con más semanas en la primera posición de las listas de éxitos, con sus álbumes Whitney Houston, Whitney, Waiting to Exhale y la banda sonora de “El guardaespaldas”, durante cincuenta semanas. En total lanzó siete álbumes de estudio, tres bandas sonoras, varias compilaciones y cincuenta y tres sencillos, de los cuales once fueron número uno en la lista Billboard Hot 100. El más notable es “I Will Always Love You” publicado en noviembre de 1992 y que se convirtió en el sencillo más vendido por una artista femenina en la historia de la música. Consiguió ser número uno en treinta y dos países y ganó dos premios Grammy y seis Billboard Music Awards.

Su carrera ha influenciado en la de muchos otros artistas como Christina Aguilera, Céline Dion, Jessica Simpson, Alicia Keys, Nick Carter, Britney Spears, Nelly Furtado y otros artistas de música R&B. En 2001 firmó el contrato con el salario más alto de la historia, por 100 millones de dólares con la discográfica Arista.

Inició su carrera cinematográfica en el año 1992 con la película El guardaespaldas, cuya banda sonora es la más vendida de todos los tiempos con más de 45 millones de copias vendidas hasta 2012.​ Continuaría en 1995 con la película Waiting to Exhale, The Preacher’s Wife 1996, Rodgers & Hammerstein’s Cinderella 1997 y por último Sparkle 2012.

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